Aus Japan mit Liebe: London zeigt, wie NIGO Mode, Musik, Hypekultur prägt

Für viele Menschen ist der Name NIGO zunächst kein Begriff. Sein Einfluss ist dennoch überall spürbar.

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Der als Tomoaki Nagao geborene, fünfundfünfzigjährige japanische Designer, DJ, Produzent und Unternehmer ist vor allem als Gründer des Streetwear-Giganten A Bathing Ape (BAPE) bekannt. Er ist langjähriger Weggefährte von Pharrell Williams und Virgil Abloh und arbeitet derzeit als künstlerischer Leiter von Kenzo.

Lange bevor die Modewelt kollaborationsverliebt wurde, limitierte Hype-Drops feierte und Kreativdirektorinnen und -direktoren zwischen Musik, Design und Luxus pendelten, tat NIGO all das schon.

Nun widmet das Londoner Design Museum dem einflussreichen Kreativen seine erste große Retrospektive. „NIGO: From Japan with Love“ vereint mehr als 700 Objekte aus seiner Karriere, darunter Kleidungsstücke, Sammelobjekte, Möbel, Erinnerungsstücke aus der Musikwelt und Stücke aus seinem persönlichen Archiv.

Die Ausstellung zeichnet seinen Weg nach – vom Teenager, der von Americana und Plattensammeln besessen war, hin zu einer der einflussreichsten Kulturfiguren der vergangenen drei Jahrzehnte.

Euronews Culture hat mit der Kuratorin der Ausstellung, Esme Hawes, über NIGOs Vermächtnis gesprochen, über die Herausforderung, sein riesiges kreatives Universum in eine Museumsschau zu übersetzen, und darüber, warum seine persönliche Sammlung der Schlüssel zum Verständnis seines gesamten Schaffens sein könnte.

Euronews Culture: Was war der erste Anstoß für diese Ausstellung, und warum passt der Zeitpunkt gerade jetzt?

Esme Hawes: In Asien ist NIGO ein großer Name, viele kennen ihn. In Europa und der westlichen Welt ist er weit weniger bekannt – seine Marken aber erkennt man sofort. Vielen ist nur nicht klar, wer die Person dahinter ist.

Uns am Museum war es deshalb wichtig zu zeigen, welche Rolle ein Creative Director spielt – genau dafür steht NIGO. Er ist weniger der klassische Modedesigner im traditionellen Sinn, sondern vielmehr ein Creative Director und Markenbauer. Für uns als Designmuseum ist das besonders spannend, weil es einen sehr zeitgenössischen Blick darauf eröffnet, was ein Designer heute ist. Uns interessieren weniger Menschen, die vor allem großartig zeichnen, sondern diejenigen, die Kollaborationen orchestrieren und ganze Universen aufbauen – und genau das beherrscht NIGO auf beeindruckende Weise.

Wir wollten auch hervorheben, dass NIGO ein leidenschaftlicher Sammler ist – eigentlich schon sein ganzes Leben, vermutlich seit seiner Kindheit. Er hat praktisch alles behalten und nutzt diese Sammlung wie einen Werkzeugkasten: Er sucht dort nach Inspiration und greift für all seine Projekte darauf zurück, noch heute, in seinen Fünfzigern.

Wie stark war NIGO in die Ausstellung eingebunden?

NIGO war von Beginn an erstaunlich eng eingebunden, was für uns großartig ist. Es ist eine große Ehre, denn er ist ein außergewöhnlicher Kollaborateur – das sieht man bei all den Marken und Projekten, mit denen er gearbeitet hat. Selten steht er allein; er holt immer sehr unterschiedliche Kreative und Designerinnen in seinen Prozess.

Er hat intensiv bei der Auswahl der Exponate mitgewirkt. Der Großteil stammt aus seiner eigenen Sammlung – rund 90 Prozent. Ich bin selbst nach Tokio gereist, habe ihn getroffen, mit ihm über seine Sammlung gesprochen, darüber, was ihm wichtig ist und welche Stücke er besonders liebt. Auf dieser Basis haben wir die Erzählung der Ausstellung aufgebaut. Auch bei der Gestaltung der Schau war er sehr nah dran und hat mit unseren Ausstellungsdesignerinnen und -designern, den Architektinnen und den 2D-Gestaltern zusammengearbeitet.

Hat Sie etwas an NIGO überrascht, als Sie ihn getroffen haben?

Er ist unglaublich bescheiden für jemanden, der eine so beeindruckende, erfüllte Karriere hat und mit den Besten der Branche gearbeitet hat. Diese Bescheidenheit hat mich überrascht, sie ist aber auch eine wunderbare Art zu arbeiten.

Etwas, das NIGO auszeichnet, ist seine ständige Neugier. Er ist immer lernbereit – ich glaube, darin liegt ein Teil seines Erfolgs. Sich selbst stets ein wenig als Student zu sehen und das Gefühl zu haben, dass es noch so viel zu lernen gibt, um sich weiterzuentwickeln, ist ein sehr sympathischer Ansatz.

Die Ausstellung ist in vier Bereiche gegliedert. Können Sie uns hindurchführen?

Ja, es sind vier Bereiche, weitgehend chronologisch. Wir beginnen mit einer Rekonstruktion von NIGOs Jugendzimmer. Er hat alles aufgehoben, was er seit einem Alter von etwa sechs Jahren besessen hat – das ist wirklich bemerkenswert.

Danach geht es um NIGO als Sammler, denn seine Sammlung ist ein zentrales Element seiner Arbeit. Wenn man sich seine Bestände anschaut und seine Karriere kennt, erkennt man faszinierende Parallelen zwischen den Dingen, die er sammelt und betrachtet, und dem, was er später entwirft.

Wir arbeiten mit USM zusammen, einem Hersteller modularer Möbel. NIGO nutzt deren Möbel in seinem Studio in Tokio, um seine Sammlung zu präsentieren. Wir haben deshalb eine Art Rekonstruktion seiner Aufbewahrungssituation aufgebaut – mit Möbeln von USM.

Der dritte Bereich dreht sich um den „NIGO-Effekt“ – in Anlehnung an den Kate-Middleton-Effekt. Wenn Kate Middleton ein Kleid trägt, ist es überall ausverkauft. Dahinter steckt die Idee, dass ein Name und sein Vermächtnis eine Marke populär und begehrenswert machen. NIGO ist nicht nur ein großartiger Kollaborateur für seine eigenen Marken geworden, er ist inzwischen selbst extrem gefragt – bei Uniqlo, Adidas, Nike – all diesen großen Marken, die mit ihm zusammenarbeiten wollen.

Im letzten Bereich geht es darum, was ihn heute beschäftigt. NIGO sucht ständig nach neuen Feldern, in die er sich vertiefen kann, und hat sich inzwischen stark der traditionellen japanischen Kultur und Handwerkskunst zugewandt. Er lässt sich zum Meister der Teezeremonie ausbilden und fertigt wunderschöne Keramiktöpfe, die er in den Zeremonien verwendet.

Was hat NIGO in jungen Jahren inspiriert?

Schon etwa mit sechs Jahren war er völlig fasziniert von Americana, also von allem aus den USA. Er sammelte amerikanische Magazine, Disney-Spielzeug wie Donald Duck und ähnliche Dinge. Das spiegelt auch wider, was in Japan, wo er aufwuchs, passierte: Die amerikanische Prägung durch den Krieg einige Jahrzehnte zuvor war überall spürbar. Americana nimmt deshalb einen großen Platz in seiner Sammlung ein.

Mode war für ihn ebenfalls spannend, weil er sich für Subkulturen in Japan interessierte. Er ist in Miyabashi vor den Toren Tokios aufgewachsen, fuhr aber häufig in die Stadt, um in Vintage-Läden und Plattenläden einzukaufen, skaten zu gehen und mit Freundinnen und Freunden abzuhängen. Er hat schon sehr früh gesammelt und war bereits als Teenager von Popkultur und Subkultur umgeben.

Gibt es Stücke, auf die Besucherinnen und Besucher besonders achten sollten?

In einem der ersten Bereiche zeigen wir eine Levi’s-Jacke, eines der ersten Vintage-Stücke, die NIGO überhaupt gekauft hat – damals war er wohl Teenager. Die Jacke ist völlig abgetragen und sichtbar geliebt. Für ihn war sie ein aufregendes Stück, weil sie seinen Einstieg in die Welt der Vintage-Mode markierte.

Dazu gehört eine sehr charmante Anekdote: Er hat seine Mutter über den Preis angelogen, weil er wusste, dass sie entsetzt gewesen wäre, wenn sie erfahren hätte, wie viel Geld er für diese zerrissene Jeansjacke ausgegeben hat.

Ein weiteres Stück, das ich sehr mag, stammt aus der frühen Bape-Ära. Es ist ein Bestellschein, den er ausgefüllt hat, als er Bape gerade gegründet hatte und die ersten Shell-Jackets und T-Shirts orderte – die ersten Teile, die A Bathing Ape je verkauft hat. Auf dem Formular sieht man, dass er jeweils nur fünf Stück pro Produkt bestellt. Eine extrem geringe Menge.

Er hat erzählt, dass das damals aus finanzieller Notwendigkeit geschah. Gleichzeitig begrenzte er so das Angebot und erzeugte dadurch enormen Hype.

Welche Rolle spielt Musik in der Ausstellung?

Eine sehr große. Wie Sie vermutlich wissen, ist NIGO DJ, Schlagzeuger und Produzent – er hat im Musikbereich fast alles gemacht, eigene Alben veröffentlicht und eigene Labels betrieben.

Uns war wichtig, dass Musik ein zentrales Element der Schau wird, und auch NIGO selbst hat darauf großen Wert gelegt.

Wir haben deshalb eine Hörstation eingerichtet mit Playlists, die NIGO selbst ausgewählt hat – Musik von Künstlerinnen und Künstlern, die er produziert hat, oder von Bands, in denen er selbst gespielt hat, etwa Teriyaki Boys, aber auch von seinen vielen Kollaborationspartnern.

Worin sehen Sie NIGOs größten Einfluss auf die Mode?

Kollaboration ist ein riesiges Thema – und der Blick auf Gestaltung und Kreativität als breites Spektrum, statt Menschen strikt in Sparten wie Mode oder Musik einzuteilen.

Etwas, das NIGO besonders gut kann, ist, Kreative aus unterschiedlichen Disziplinen zusammenzubringen und Projekte aufzusetzen, die sich über Mode, Kunst, Musik, Design und mehr erstrecken. Das ist selten und prägt seine Arbeit in besonderer Weise.

In NIGOs Kenzo-Schauen etwa komponiert er die Musik selbst oder holt eine Kollaborateurin oder einen Freund dazu. Die gesamte Rauminszenierung stammt von jemandem aus seinem Netzwerk – einer Architektin oder einem Designer. Er verantwortet natürlich die Kleidung, aber das Ergebnis ist eine Gesamtproduktion, in der jedes Detail durchdacht ist.

Dieses allumfassende, ganzheitliche Verständnis von Kreativität und Gestaltung ist typisch für ihn.

„NIGO: From Japan with Love“ ist bis zum vierten Oktober 2026 im Design Museum in London zu sehen.