Tsui Hark beim Lumière-Festival: „Wir wissen nicht, wohin uns die Zukunft führt“

Wer Hongkonger Kino und Martial-Arts-Filme liebt, erkennt den Namen Tsui Hark sofort.

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Er gehört zu den prägenden Figuren der New Wave in Hongkong und hat das Martial-Arts-Genre neu erfunden. Als Autor, Produzent und Regisseur verhalf er Stars wie Chow Yun-fat, Jet Li und sogar John Woo zum Durchbruch. Bis zum Kassenerfolg von Ne Zha 2 im vergangenen Jahr war sein Film The Battle at Lake Changjin der erfolgreichste chinesische Kinofilm aller Zeiten.

Vier seiner Filme – die historische romantische Komödie Shanghai Blues (1984), die wegweisende Actionkomödie Peking Opera Blues (1986), das Martial-Arts-Epos Once Upon a Time in China (1991) und der Actionthriller Time And Tide (2000) – werden beim diesjährigen Lumière Film Festival gewürdigt und gezeigt.

Euronews Culture hat sich nach der Lumière-Zeremonie, bei der Regisseurinnen und Regisseure mit einer goldenen Plakette in der Rue du Premier Film neben dem Institut Lumière geehrt werden, mit dem legendären Filmemacher zusammengesetzt, um über das Festival, seine Arbeit und die Herausforderungen unserer Zeit zu sprechen.

Euronews Culture: Wie fühlt es sich an, jetzt eine eigene Plakette an der Lumière-Wand zu haben?

Tsui Hark: Ich fühle mich regelrecht wie im Traum! (lacht) Plötzlich wurde mir klar, dass ich an dem Ort bin, an dem das Kino seinen Anfang nahm. Ich hätte nie gedacht, dass ich einmal an so einen Ort kommen würde, an dem man gewissermaßen zum Ursprung des bewegten Bildes zurückkehrt. Das wirkt sehr surreal. Man kommt an einen Ort, an dem die eigene Laufbahn von jemandem gestartet wurde, den man nicht kennt, doch sie [die Brüder Lumière] sind die Quelle der eigenen Kreativität und von allem. Ich empfinde es als großes Glück, dass ich die Aufgabe bekommen habe, Filme zu machen.

Während Ihres Aufenthalts beim Festival werden mehrere Ihrer Filme gezeigt, darunter restaurierte Fassungen von Shanghai Blues und Peking Opera Blues. Wie ist es, diese Werke noch einmal auf der großen Leinwand zu sehen?

Es ist seltsam, diese Filme wiederzusehen, die ich vor 40 Jahren gedreht habe! (lacht) Für mich liegen sie sehr, sehr weit zurück, und plötzlich sind sie wieder da. Es fühlt sich an, als sei die Zeit gar nicht vergangen. Man geht ins Kino, in dem ein Film läuft, den man vor 40 Jahren gemacht hat, und die Leute mögen ihn immer noch. Das ist ein wunderbares Gefühl.

Sie sind vor allem für Action- und Martial-Arts-Filme bekannt, doch die Auswahl beim Festival legt den Schwerpunkt auf Komödie und Romantik. Wo überschneiden sich Ihrer Meinung nach die filmische Sprache von Action und Komödie?

Ich sehe mich eigentlich eher als Komödienmacher denn als Actionregisseur. Doch alles änderte sich 1979. Ich arbeitete beim Fernsehen und bekam den Auftrag, ein Kostüm-Actiondrama zu drehen [The Butterfly Murders]. Seitdem werde ich seit vielen Jahren mit dem Actiongenre verbunden. Für mich ist das ein bisschen seltsam.

In Ihren Filmen verbinden Sie große Action und epische Dimensionen mit sehr emotionalen und persönlichen Momenten. Diese Balance ist bei Großproduktionen nicht leicht. Was ist Ihr Geheimnis?

Es gibt überhaupt kein Geheimnis. Alles hängt davon ab, wie ich mich zu etwas verhalte, das ich wirklich liebe. Als Kind war ich von diesem Genre begeistert. Es hat mir eine neue Sicht auf das Leben eröffnet. Wenn ich die Chance habe, einen Film zu drehen, folge ich dieser Richtung – einer Richtung, die darauf beruht, wie ich mich mit den Figuren in dieser Welt identifiziere, vor allem in Epen oder Kostümfilmen.

Ich nehme es sehr ernst, dass sich Menschen mit der Geschichte identifizieren, die ich erzähle. Die menschliche Seite der Figuren und der Handlung steht für mich im Mittelpunkt. Ich versuche stets, die Geschichte für alle verständlich und nachvollziehbar zu machen. Viele sehen Filme als etwas für ein bestimmtes Alter oder ein bestimmtes Publikum. Ich finde, Filme sollten für Menschen jeden Alters und nach Möglichkeit für Menschen aller Kulturen sein – nicht nur für unsere eigene, mit der wir so vertraut sind. Ich wünsche mir, dass Filme, Kultur und Kunst von allen geteilt werden können.

Haben Sie das Gefühl, dass europäische Zuschauer Ihre Filme mit einer besonderen Sensibilität sehen?

Ehrlich gesagt habe ich keine Ahnung, was da passiert! (lacht) Manchmal komme ich irgendwohin und jemand sagt: „Ich habe Ihren Film gesehen“, und ich bin ziemlich überrascht. Als ich das erste Mal in Cannes war und mir jemand sagte: „Oh, ich habe Ihren Film gesehen“, war ich richtig schockiert. Ich habe den Film anderswo gemacht, er lief vor einem ganz anderen Publikum, und trotzdem haben die Menschen ihn verstanden und angenommen. Das ist für mich Ermutigung und gibt mir Energie, Filme zu machen, die alle Menschen teilen können und die Kulturen zusammenbringen.

Angesichts der Breite Ihrer Karriere und Filmografie: Gibt es Genres, die Sie gern noch erkunden würden? Sie haben 1980 die Horrorkomödie We’re Going To Eat You gedreht, und ich würde sehr gern noch einen Horrorfilm von Ihnen sehen...

Oh ja, genau! Horror ist ein Genre, das ich immer weiter ausloten möchte. Ich finde, Horror geht nicht nur darum, Menschen Angst zu machen, sondern ihnen eine andere Art von Energie zu vermitteln. Ich habe viele Horrorfilme gesehen und habe oft den Eindruck, dass sie ein sehr negatives Bild von Menschen und von der Menschlichkeit zeichnen. Deshalb würde ich in diesem Genre gern etwas anderes versuchen.

Viele Menschen äußern derzeit Sorgen um die Zukunft des Kinos und der Kunst insgesamt, vor allem mit dem Vormarsch der künstlichen Intelligenz. Macht Ihnen das Angst?

Das ist eine sehr aktuelle Frage. Wir wissen alle, dass wir Menschen ständig fürchten, von etwas ersetzt zu werden. Diese Angst begleitet uns überall – in Beziehungen, im Beruf, in der Wirtschaft oder sogar in unserer eigenen Vorstellung von Freiheit. Sie ist immer eine Bedrohung. Und wir wissen nicht, wohin uns die Zukunft führt.

Die Angst und die Gefahr, alles zu verlieren, sind überall. Und wir Menschen übersehen meist die Schwäche unserer Natur. Wir vernachlässigen die zerstörerische Kraft, die wir selbst entfalten, und zugleich die zerstörerische Kraft der Natur. In unserer Zeit haben wir viele Krisen erlebt – durch Viren, Wissenschaft, Technologie und Kriege. Bisher haben wir keine Lösung. Wir Menschen sind eine schwache Spezies, wenn es darum geht, solche Probleme zu lösen.

Je mehr Prüfungen wir auf unserem Weg des Überlebens durchlaufen, desto deutlicher erkennen wir, dass wir eigentlich keine Lösungen haben. Einfach, weil wir selbst das zerstörerische Element in der Natur sind. Ich hoffe, dass das nicht stimmt. Hoffentlich irre ich mich, und wir bringen auch Gutes ins Leben.

In meinem Alter habe ich oft das Gefühl, dass nicht mehr viel Zeit bleibt, um sich Sorgen um die Zukunft zu machen. Aber ich hoffe, dass sich die Dinge nicht verschlimmern. Ich möchte optimistisch sein, doch es gibt viele deutliche Zeichen, dass Negatives geschieht. Seit dem Zweiten Weltkrieg wollten alle verhindern, dass so etwas wieder passiert, und doch passiert es. Ununterbrochen. Ich weiß nicht, was die beste Lösung für all diese Probleme ist.

Ich ganz sicher nicht.

Niemand weiß es. Mir ist bewusst, dass wir hier sehr tief gehen und nicht zu philosophisch werden können, wenn es um das geht, was wir tun werden. Die Welt ist sehr chaotisch. Aber ich glaube, zumindest können wir dafür sorgen, dass alle einen guten Aspekt der Menschlichkeit sehen und uns daran erinnern, das Leben und die menschliche Kreativität zu genießen. Und das Kino ist ein guter Ort, um damit zu beginnen.

Peking Opera Blues startet am 21. Oktober erstmals in französischen Kinos, in einer restaurierten 4K-Fassung.

Das Lumière Film Festival findet noch bis zum 18. Oktober in Lyon statt.