Nach dem frühen Tod von Koyo Kouoh im Mai 2025 setzt ihr Team das Konzept der kamerunisch-schweizerischen Kuratorin für die Biennale nun um.
Die Biennale von Venedig gehört zu den wichtigsten Kunstereignissen der Welt. Das dynamische, global ausgerichtete Festival spiegelt die gesellschaftliche und politische Gegenwart – und kommentiert sie zugleich.
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Für die 61. Ausgabe wollte die inzwischen verstorbene Kuratorin Koyo Kouoh den Fokus allerdings verlagern: weg von der „ängstlichen Kakofonie“ des globalen Durcheinanders der Gegenwart, hin zu leiseren Tönen von Emotion, Verbundenheit und Erdung. Ihr Leitmotiv trägt den Titel „In Minor Keys“.
Nach Kouohs Tod im Mai 2025 setzt ihr Team das Konzept der kamerunisch-schweizerischen Kuratorin nun um. Es bildet den Rahmen für die Hauptausstellung, die sich auf zwei zentrale Schauplätze in den Giardini und im Arsenale verteilt und 111 Künstlerinnen und Künstler präsentiert. Zugleich dient es den nationalen Pavillons als inhaltlicher Leitfaden.
Seelenvoll, sinnlich und spirituell
Kouohs vielstimmiges Konzept zeigt sich in einer Reihe miteinander verknüpfter Motive: Shrines, Procession, Schools, Rest und Performances. Dazwischen ziehen sich Grundwerte wie Stille, Fürsorge, Nähe und Reflexion.
Die Schau untersucht, wie Verbundenheit unbewusst entstehen kann, wenn sich Interessen unterschiedlicher Künstlerinnen, Künstler und Bewegungen berühren. Kouoh bezeichnete dies als erweiterte „relationale Geografie“, die aus Begegnungen und den daraus entstehenden Erinnerungen entsteht.
Besucherinnen und Besucher sollen sich in einem meditativen Zustand durch die Ausstellung bewegen und wieder mit dem Seelischen, Sinnlichen und Spirituellen in Kontakt treten – „to tune in sotto voce“. In einer Welt wie der heutigen ist das ein radikales Angebot: entschleunigen in einem Raum, in dem Zeit kein Unternehmensvermögen ist und nicht der Gnade unerbittlich beschleunigter Produktivität unterliegt, schrieb Kouoh in ihrem Manifest.
Gärten und Oasen
Ein zentrales Bild der Ausstellung ist ein „Archipel von Oasen“: Orte voller Erinnerung und Emotion, die im Schaffen großer Künstlerinnen und Künstler eine Schlüsselrolle spielten. Dazu gehören der frühere Innenhof (La Cour) von Issa Samb in der Rue Jules Ferry im Zentrum von Dakar, Marcel Duchamps letztes Atelier, in dem er zwanzig Jahre lang heimlich an derselben Installation arbeitete, sowie Village Ki-Yi MBock der Künstlerin Werewere Liking, eine Theaterkooperative in Abidjan an der Côte d’Ivoire.
Ein weiterer imaginierter Ort ist der Garten – konkrete Erfahrung und Metapher zugleich –, entworfen als Raum der Versorgung und der Wiederannäherung. So nimmt Linda Goode Bryants Still Life die Form einer städtischen Farm an, die während der gesamten Ausstellung von früher inhaftierten Frauen bewirtschaftet wird.
Kouohs Motiv Schools ist ebenfalls eine Art Garten, in dem Lernen und Kreativität genährt werden. Vertreten sind von Künstlerinnen und Künstlern initiierte Organisationen wie Raw Material Company in Dakar, die GAS Foundation in Lagos und das Nairobi Contemporary Art Institution. Was diese lokalen Institutionen verbindet, ist ein Ethos des Zusammenkommens, des Teilens von Wissen, des Verweilens, des Zerlegens, des Aussäens von Absichten und des Aufbaus von Zentren, die sich ohne Eingreifen kommerzieller Märkte vervielfältigen.
Einige nationale Pavillons verwandeln sich ebenfalls in Räume der Kontemplation und Begegnung. Im Pavillon des Heiligen Stuhls erleben die Besucherinnen und Besucher ein klangbasiertes Projekt, inspiriert von den Schriften der Äbtissin Hildegard von Bingen aus dem zwölften Jahrhundert. Beim Rundgang durch den abgeschlossenen Garten aus dem 17. Jahrhundert hören sie ein „sonic prayer“.
Für Katar hat der Künstler Rirkrit Tiravanija eine zeltartige Struktur als Ort des kulturellen Austauschs geschaffen. Gezeigt werden ein Film der katarisch-amerikanischen Künstlerin Sophia Al-Maria, Live-Performances des libanesischen Künstlers Tarek Atoui, eine großformatige Skulptur der kuwaitisch-puerto-ricanischen Künstlerin Alia Farid sowie ein kulinarisches Programm mit nahöstlicher Küche, konzipiert vom palästinensischen Koch Fadi Kattan.
Prozessionen und das Karnevaleske
Kouohs Motiv Procession feiert menschliche Verbindung und kollektive Teilhabe. Künstlerinnen und Künstler wie Big Chief Demond Melancon, Nick Cave, Alvaro Barrington, Daniel Lind-Ramos und Ebony G. Patterson widmen sich Zusammenkünften, die von täglichen Festen und Ritualen in Zentren und Peripherien der Diaspora bis zu Kommunionen zwischen Lebenden und Ahnen reichen.
Auch der Karneval ist präsent – als Naht in der Zeit, in der Machtverhältnisse vorübergehend auf den Kopf gestellt werden. In den Arbeiten von Johannes Phokela, Tammy Nguyen, Buhlebezwe Siwani, Sammy Baloji und Godfried Donkor werden etablierte Normen der Kunstgeschichte und der klassischen Literatur unterlaufen.
Die Inszenierung der Zentralausstellung durch Wolff Architects lässt sich von zwei Romanen inspirieren – „Hundert Jahre Einsamkeit“ von Gabriel García Márquez und „Beloved“ von Toni Morrison. Entstehen soll ein Besuchserlebnis, das stärker auf die Sinne zielt als auf Belehrung und Intimität sowie Interaktion fördert.
Auch der Japan-Pavillon setzt auf Beteiligung. In Grass Babies, Moon Babies der japanisch-amerikanischen queeren Kunstschaffenden Ei Arakawa-Nash nehmen Besucherinnen und Besucher beim Eintritt eine von 200 Babypuppen in die Hand und tragen sie durch die aufgeständerten Bereiche, Gärten und Innenräume des Pavillons. Sie leisten einen Akt der kollektiven Fürsorge, indem sie den Puppen die Windeln wechseln und einen QR-Code aktivieren, der auf Grundlage des jeweils zugeordneten Geburtstags ein „diaper poem“ liefert.