Übersehene Meisterwerke: Welche Alben sind die meist unterschätzten aller Zeiten?

In der vergangenen Woche ist das Kulturteam von Euronews aufgewacht und hat sich entschlossen, für Streit zu sorgen: Wir haben gezielt Alben ausgewählt, die wir für überschätzt halten. Viele Leserinnen und Leser haben sich gemeldet, und einige waren wenig begeistert – das verriet uns die blumige Wortwahl in manchen Nachrichten.

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In dieser Woche drehen wir den Spieß um und sorgen für kosmischen Ausgleich. Wir haben zehn Alben herausgepickt, die unserer Meinung nach unterschätzt sind. Platten, die zu Unrecht verrissen wurden, viel zu leicht übersehen werden oder schlicht in Vergessenheit geraten sind. Wie auch immer – sie verdienen deutlich mehr Liebe.

Hier sind die unterschätzten Schmuckstücke, die in Ihren Ohren und in Ihrer Sammlung fehlen.

Jeri Southern – You Better Go Now (1956)

Schon einmal von Jeri Southern gehört? Wenn nicht, ist das verzeihlich. Ich kannte sie auch nicht, bis in einem Plattenladen plötzlich eine ihrer Aufnahmen lief und ich hektisch zur Shazam-App griff. Das Stück stammte von ihrem wunderbaren Album „You Better Go Now“ aus dem Jahr 1956. Damals war Southern keineswegs ein Geheimtipp: Frank Sinatra und Miles Davis sollen große Verehrer gewesen sein, und sie nahm die erste Gesangsversion von „When I Fall in Love“ auf. Heute ist ihr Name fast aus den Gesprächen verschwunden.

Ein Grund dafür dürfte ihre schwere Auftrittsangst sein. Sie zog sich irgendwann von der Bühne zurück, während Kolleginnen wie Peggy Lee, Julie London, Ella Fitzgerald und Doris Day zu festen Größen in den Wohnzimmern wurden. Doch sobald man dieses Album startet, landet man in einer verträumten, kunstvoll arrangierten Welt aus Romantik, Sehnsucht und Herzschmerz – getragen von Southerns wunderbar zurückhaltender Stimme. Also: „You Better Go Now“ auflegen und dieses vergessene Kleinod wiederentdecken. TF

Labi Siffre – Crying Laughing Loving Lying (1972)

Wenn ich auf einer einsamen Insel strandete, mit Plattenspieler und nur wenigen LPs, würde Labi Siffres drittes Studioalbum ganz sicher mitkommen. Der englische Sänger, Songschreiber, Dichter und Autor mit einer Stimme, bei der Engel weinen könnten, hat ein Album geschaffen, das zugleich aufbauend und bittersüß ist. Diese Platte bringt einen zum Weinen, zum Lachen und macht Lust auf Liebe. Nur beim Lügen sollten Sie sich zurückhalten: Wer dieses Album hört und danach nicht zu dem Schluss kommt, dass es ein überirdisch schönes Werk ist, das viel zu lange unter Wert gehandelt wurde, macht sich etwas vor.

Wie Siffre seine emotionale Verletzlichkeit nutzt, um diese bekenntnishaften und tief bewegenden Songs zu formen, ist beeindruckend. Jeder Track wirkt noch eindringlicher als der vorige. Erfreulicherweise erlebt Siffre gerade eine kleine Renaissance in der Popkultur: Neue Generationen entdecken seine großartige Musik. Viele seiner Songs wurden breit gesampelt – am bekanntesten wohl von Kanye West für „I Wonder“ (aus „My Song“). Die Stücke „Crying Laughing Loving Lying“ und „Cannock Chase“ tauchten in The Holdovers beziehungsweise im Oscar-nominierten Sentimental Value auf; „Bless The Telephone“ ging vergangenes Jahr auf TikTok viral.

Vielleicht ist das ein Zeichen dafür, dass dieses Album langsam seinen Underdog-Status abstreift und endlich als unverzichtbares Meisterwerk gilt. Der inzwischen 80-jährige Siffre will Berichten zufolge bis Ende 2026 ein neues Album veröffentlichen – sein erstes seit 28 Jahren. Ich kann es kaum erwarten. DM

Bill Withers – +’Justments (1974)

Bill Withers’ „+’Justments“ wird sträflich übersehen. Das dritte Studioalbum erschien 1974 und steht bis heute im Schatten seiner bekannteren Werke. Dabei steckt so viel Liebe in dieser Platte. „You“ und „The Same Love That Made Me Laugh“ verwandeln das Chaos von Withers scheiternder Ehe in wuchtigen, von Grooves getriebenen Soul. Die reduzierteren Stücke „Can We Pretend“ und „Make A Smile For Me“ gehören zu seinen schönsten, melancholischsten Aufnahmen. Seine Stimme ist ohnehin über das ganze Album hinweg majestätisch.

Withers hatte bereits ein bewegtes Leben hinter sich, bevor er zum Star wurde – neun Jahre in der Navy, Jobs als Mechanik-Monteur in Fabriken im ganzen Land. In „+’Justments“ scheinen all diese Erfahrungen in zehn Songs kondensiert. Das Album verdient weit mehr Anerkennung als es bekommt. Kurz gesagt: Es ist ein Meisterwerk. TF

Cocteau Twins & Harold Budd – The Moon And The Melodies (1986)

Die meisten kennen die Cocteau Twins. Das schottische Trio prägte den Dream-Pop mit schimmernden Gitarren, nebeligen Produktionen und der unverwechselbaren Stimme von Elizabeth Fraser; „Heaven or Las Vegas“ gilt als ihr bekanntestes Kritikerliebling. In Kombination mit dem Ambient-Pionier Harold Budd entsteht 1986 „The Moon and the Melodies“ – ein Album, das in der Musikgeschichte fast durch die Ritzen gefallen ist.

An dieser Platte ist etwas ganz Besonderes, ich kehre immer wieder zu ihr zurück. Wie der Titel andeutet, entfaltet sie eine traumartige, nächtliche, fast kosmische Stimmung: düster, aber seltsam tröstlich. „Sea, Swallow Me“ und „She Will Destroy You“ liefern den vertrauten Sound der Band, während „The Ghost Has No Home“ und „Bloody and Blunt“ stärker in Budds Ambient-Gefilde driften. Irgendwie verschmelzen beide Ansätze perfekt. „Why Do You Love Me“ ist für mich eines der eindringlichsten Instrumentalstücke überhaupt.

Für ein so schönes Album hat „The Moon and the Melodies“ niemals die Aufmerksamkeit bekommen wie andere Werke im Katalog der Band. Ehrlich gesagt ist das ein Unding. TF

Fleetwood Mac – Tango In The Night (1987)

Wenn von Fleetwood Mac die Rede ist, geht es meist darum, „Rumours“ als eines der größten Alben aller Zeiten zu feiern – oder auch nicht, wie mein geschätzter Kollege argumentiert hat – oder darum, „Tusk“ als manisches Meisterwerk zu preisen. Viele nutzen die Entstehungsgeschichte von „Rumours“ inzwischen als Motivationsspruch: „Wenn Fleetwood Mac mitten in einem monatelangen Kokainrausch, während alle Beziehungen zerbrechen, ein Album wie ‚Rumours‘ schreiben konnten, dann schaffe ich auch diese Woche.“ Zugegeben, das ist ein hilfreiches Mantra.

Aber kaum jemand spricht über das übersehene „Tango In The Night“ – das letzte Album in der klassischen Fünfer-Besetzung, bevor Lindsey Buckingham beschloss, auf eigene „Go Your Own Way“-Pfaden zu wandeln. Das ist schade, denn „Tango In The Night“ ist großartige, geradezu filmische 80er-Popkunst, ein Hit reiht sich an den nächsten – von „Big Love“ und „Seven Wonders“ über „Everywhere“ und „Little Lies“ bis „Isn’t It Midnight“.

Zugegeben, das Album verkaufte sich mehr als 15 Millionen Mal und war damit der zweitgrößte kommerzielle Erfolg der Band. Doch im Schatten von „Rumours“ ist es trotzdem frostig. Die Produktion von „Tango In The Night“ soll sich über 18 Monate gezogen haben; Stevie Nicks’ berüchtigte Kokainabhängigkeit machte die Arbeit nicht leichter. Meiner Meinung nach hat sich die Mühe gelohnt. Das Album hat vielleicht nicht die rohe Rockenergie früherer Aufnahmen und wirkt stellenweise unverkennbar kitschig. Aber was für ein herrlicher Kitsch. Es wird Zeit, „Rumours“ beiseitezulegen und „Tango In The Night“ die „Big Love“ zu schenken, die es verdient. DM

AZ – Doe Or Die (1995)

„Doe Or Die“ erschien 1995, gut ein Jahr nach Nas’ wegweisendem „Illmatic“ – jenem Album, das AZ den meisten Hörerinnen und Hörern erstmals mit seinem unvergesslichen Vers auf „Life’s a Bitch“ vorstellte, einer der stärksten Gastauftritte der Rapgeschichte. Ein schwer zu toppender Maßstab – und Mobb Deep legten im selben Jahr mit „The Infamous“ nach, was die Sache nicht einfacher machte. Vergleiche waren unvermeidlich.

„Doe Or Die“ besitzt vielleicht nicht die perfekte Geschlossenheit oder den gleichen kulturellen Einschlag wie „Illmatic“, aber als Porträt des rauen New York der neunziger Jahre steht es hervorragend da. Nur wenige Hip-Hop-Alben können eine Dreierstrecke vorweisen, die „Gimme Yours“, „Ho Happy Jackie“ und „Rather Unique“ das Wasser reicht. AZ rappt über die gesamten 45 Minuten mit einer geradezu unglaublich geschmeidigen Delivery. Zu oft wird „Doe Or Die“ auf „das Album des Typen von ‚Illmatic‘“ reduziert. Es verdient deutlich mehr Anerkennung. TF

Beck – Midnite Vultures (1999)

Fragt man Beck-Fans nach ihren Lieblingsalben, fallen meist Titel wie „Mellow Gold“, „Odelay“, „Sea Change“ oder das Grammy-gekrönte Album des Jahres 2015 „Morning Phase“. Alles gute Wahl, aber „Midnite Vultures“ bleibt dabei oft außen vor. Dabei ist „Midnite Vultures“ ein schräger, absurdistischer, äußerst grooviger und ausgesprochen triebgesteuerter Mix aus Synth-Funk und R&B, der einem ein Dauergrinsen verpasst.

Der Opener „Sexx Laws“ mit seinen Trompeten bringt einen sofort in Stimmung; „Nicotine & Gravy“ ist eine Ode an genau diese beiden Dinge; „Mixed Bizness“ wird „all the b-boys scream“ lassen; „Real Get Paid“ ist ein lasziv dahinwabernder Track, wie gemacht für jeden selbstrespektierenden orgiastischen Soundtrack; „Peaches & Cream“ ist ebenfalls eine sehr deutliche Ode an beides. „Pressure Zone“ schließlich ist ein augenzwinkernder Pop-Rock-Song, der mit einem herrlichen Messerzieh-/Slasher-Film-Soundeffekt eröffnet. Und wie beendet man ein derart verspieltes Durcheinander? Mit einer Fake-Prince-Soulnummer namens „Debra“, natürlich. Ich liebe diesen seltsam unterschätzten Geniestreich. DM

Coldplay – Parachutes (2000)

Coldplay haben Hunderte Millionen Platten verkauft, daher wirkt es zunächst absurd, ihr Debütalbum „Parachutes“ als „unterschätzt“ zu bezeichnen. Auf eine merkwürdige Weise trifft es aber zu. Die Hits „Yellow“ und „Sparks“ sind bis heute allgegenwärtig – zu Recht. Aber wer soll spontan einen weiteren Song aus diesem Album nennen? Meist erntet man ratlose Blicke.

Dabei hat die Platte viel mehr zu bieten. „Don’t Panic“, „Spies“, „Shiver“ und „High Speed“ sind wunderschöne, zurückhaltende Songs, die eine Seite von Coldplay zeigen, an die sich kaum noch jemand erinnert. „Parachutes“ ist ein bemerkenswert stimmiges Debüt: warm, melancholisch, romantisch und wohltuend unkompliziert. Chris Martin klingt selten so sehnsuchtsvoll wie hier, und es gibt keinen Track, den man überspringen möchte. Bevor Coldplay zur Stadionband wurden, über die man sich gerne lustig macht, waren sie vor allem eines: ausgesprochen gut im Songwriting. „Parachutes“ liefert den Beweis. TF

Massive Attack – 100th Window (2003)

Die Trip-Hop-Legenden aus Bristol hatten von 1991 bis 1998 eine beeindruckende Serie: das wegweisende „Blue Lines“, das traumverlorene „Protection“ und ihr Magnum Opus „Mezzanine“. Dann kam „100th Window“ – faktisch ein Soloalbum von Robert „3D“ Del Naja. Andrew „Mushroom“ Vowles verließ die Band nach „Mezzanine“, Grant „Daddy G“ Marshall stieg aus der Produktion aus, übrig blieb 3D am Steuer.

Stilistisch unterscheidet sich das vierte Album deutlich: Es verzichtet komplett auf Samples und die gewohnte Fusion aus Hip-Hop und Jazz-Prog. Stammgast Horace Andy steht trotzdem im Studio, dazu kommt Sinéad O’Connor als Gastsängerin auf drei der neun Tracks. Trotz dessen, was viele Rankings behaupten, ist „100th Window“ ein düsteres, vielschichtiges Kunstwerk, das viel zu oft als schwächerer Nachzügler abgetan wird.

O’Connors Gesang ist überwältigend, besonders im traurigen „What Your Soul Sings“ und im herausragenden „Special Cases“. 3Ds eindringlicher Vortrag auf Stücken wie „Future Proof“ und „Butterfly Caught“ sorgt für Gänsehaut. „100th Window“ mag nicht ganz den Kultstatus der großen Vorgänger erreichen, doch es ist mit Abstand das meistunterschätzte Album der Band. DM

Tom Waits – Real Gone (2004)

So eigenwillig Tom Waits bis 2004 schon war – niemand hatte damit gerechnet, dass der legendäre Musiker ein von Hip-Hop beeinflusstes Album vorlegt. „Real Gone“ mag nicht ganz an seine wegweisenden Werke „Swordfishtrombones“, Karrierehöhepunkt „Rain Dogs“ oder das meisterhafte „Mule Variations“ heranreichen, doch es verdient viel mehr Aufmerksamkeit.

Statt des gewohnten Klaviers dominieren treibende Grooves und Turntables, dazu einige Beatboxing-Einlagen von Waits, der sich für dieses Album neue stimmliche Ticks und Kehllaute zugelegt hat. „Real Gone“ integriert neue Einflüsse, ohne treue Fans vor den Kopf zu stoßen. Die erste Hälfte des 72-minütigen Spektakels ist makellos und äußerst bildreich. In der zweiten Hälfte gibt es kleinere Durchhänger, doch der Schlusssong „Day After Tomorrow“ ist grandios – einer der offen politischsten Songs seiner Laufbahn. Jedenfalls bis „Boots On The Ground“ erschien.

Bei Erscheinen wurde „Real Gone“ von vielen Kritikerinnen und Kritikern als lärmiges Durcheinander abgetan – zu Unrecht. Das Album ist einfallsreich, überraschend und voller Energie; es ist mit den Jahren nur besser geworden. Nichts gegen Waits’ „Bad As Me“ aus dem Jahr 2011, sein bisher letztes Studioalbum, doch „Real Gone“ ist der letzte ganz große Wurf des musikalischen Dadaisten. Hoffentlich nicht sein endgültiger. Seit 15 Jahren warten wir, Tom. Ich brauche Nachschub. DM

Das war unsere Auswahl. Sagt Ihnen eines dieser Alben etwas? Haben wir Ihre Meinung geändert? Schreiben Sie uns gern. Nur wenn Sie noch immer über unsere Liste überschätzter Alben von vergangener Woche schmollen, sparen Sie sich die Mühe: The Eagles bleiben mies, und dieses eine Daft-Punk-Album ist nicht so großartig, wie Sie es in Erinnerung haben.