Odysseen, Knochen, Hennen: die besten Filme 2026 bisher

Wir sind über die Halbzeit von 2026 hinaus. Zeit also, auf die Filme zurückzublicken, die unser Jahr bisher geprägt haben.

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Die Kriterien für diese Liste sind klar: Die Filme müssen seit Januar 2026 in europäischen Kinos oder online gestartet sein – egal, ob einige Titel in den USA schon im vergangenen Jahr anliefen.

Bevor wir mit unserem Countdown zum bisher besten Film des Jahres beginnen, wundern Sie sich nicht, wenn Sie Titel wie The Blue Trail, The Voice of Hind Rajab, Sorda oder Sirāt nicht wiederfinden. Sie liefen im vergangenen Jahr bereits in Kontinentaleuropa und haben es schon in unsere Liste der besten Filme 2025 geschafft.

Ohne weitere Umschweife: Hier sind die Highlights, die Sie von Ihrer Watchlist streichen sollten, falls Sie sie noch nicht gesehen haben.

20) Send Help

Den Auftakt unserer Liste macht ein herrlich bösartiger Original-Horror mit R-Rating vom legendären Sam Raimi. Die Ausgangslage von Send Help ist simpel: Rachel McAdams spielt eine unterschätzte Unternehmensforscherin, Dylan O'Brien den selbstzufriedenen „Nepo-Baby“-CEO, der ihr Leben zur Hölle macht – bis ein Flugzeugabsturz beide auf einer abgelegenen Insel stranden lässt. Die Hierarchie aus dem Büroalltag zerbröselt spektakulär. Die Idee ist nicht gerade neu, doch McAdams und O'Brien haben großartige Chemie, Raimi liefert den überdrehten, campigen Splatter, den man von ihm erwartet, und es gibt genug Wendungen, um bis zum Schluss zu fesseln. Die perfekte Definition eines Popcorn-Films. TF

19) I Swear

Basierend auf der bemerkenswerten wahren Geschichte von John Davidson, der als Teenager im Schottland der 1980er Jahre mit Tourette-Syndrom diagnostiziert wurde, begleitet I Swear seinen Weg vom gemobbten Schüler zum Aktivisten, der später für sein Engagement mit einem MBE ausgezeichnet wird. Manche Zuschauer werden bei der publikumsfreundlichen Wohlfühlformel vielleicht die Augen verdrehen. Doch Robert Aramayos BAFTA-prämierte Hauptrolle und das starke Ensemble um Maxine Peake und Peter Mullan heben den Film deutlich über das Konventionelle hinaus. Er ist durchgängig witzig, herzlich und lehrreich, ohne je belehrend zu wirken. Die Anfeindungen gegen Davidson nach seinen unwillkürlichen Ausbrüchen bei den diesjährigen BAFTAs zeigten deutlich, dass die Vorurteile, gegen die er seit Jahrzehnten kämpft, noch immer existieren – und warum Geschichten wie I Swear weiterhin erzählt werden müssen. TF

18) Mother Mary

Autor und Regisseur David Lowery (A Ghost Story, The Green Knight) inszeniert Anne Hathaway als gleichnamigen Popstar, der verzweifelt ein Comeback sucht. Sie steht plötzlich vor der Tür ihrer früheren Freundin und Designerin Sam Anselm (Michaela Coel) und fleht sie an, ein Kleid für einen bevorstehenden Headline-Auftritt zu entwerfen. Das Outfit soll Mother Marys Neuerfindung verkörpern. Dann wird es seltsam... Mother Mary beginnt als beklemmendes Kammerspiel und entwickelt sich zu einer gotischen Geistergeschichte, in der Metaphysik auf Spiritualität trifft und schließlich zur Austreibung gemeinsamer Traumata führt. Unerbittlich eigenwillig und bewusst wortreich ist der Film das ideale Psychodrama für ein verstörendes Double Feature mit Peter Stricklands In Fabric. Vor allem aber ist es ein mutiges, opulentes Werk, das nachhallt. Wie ein Stück schimmernder roter Stoff. DM

17) Twinless

Auf den ersten Blick wirkt Twinless wie eine skurrile Komödie über zwei Fremde, die durch gemeinsame Trauer zusammenfinden. Doch James Sweeneys zweiter Spielfilm entpuppt sich nach und nach als deutlich vielschichtiger: als scharf beobachtete, emotionale, bizarre und oft unbequeme Erkundung von Verlust, Einsamkeit, Liebe und dem Bedürfnis, gesehen zu werden. Dylan O'Brien liefert vielleicht die stärkste Leistung seiner bisherigen Karriere, und Sweeney erweist sich als echtes Dreifach-Talent – als Autor, Regisseur und Darsteller. Dieser wunderbar seltsame, urkomische und zugleich herzzerreißende Film ist ein absolutes Muss. TF

16) Jim Queen à la recherche de la Chloroqueer (Jim Queen and the Quest for Chloroqueer)

Dieser Animationsfilm, in Cannes präsentiert, ist einer der großen Überraschungserfolge aus Frankreich – und definitiv keiner, den man verpassen sollte. Für ihr Regiedebüt erzählen Nicolas Athané und Marco Nguyen die Geschichte von Jim, einer schwulen Ikone der Pariser Szene, dessen Welt zusammenbricht, als ihm ein modischer Fehltritt unterläuft und er plötzlich die Abseitsregel im Fußball versteht... Das Schlimmste ist geschehen: Er hat sich mit Heterosis angesteckt, einem Virus, das schwule Männer in Heterosexuelle verwandelt. Nun liegt es an ihm und seinem neu gewonnenen Twink-Freund Lucien, ein Heilmittel zu finden, das die Gays vor dem Aussterben retten kann. Jim Queen ist eine witzige, respektlos-ironische und selbstironische Liebeserklärung an die LGBTQ+-Community. Ein von COVID-Erfahrungen geprägter Aufruf zum Handeln, der sich mit Homophobie und den Bedrohungen auseinandersetzt, denen queere Menschen in der modernen Gesellschaft weiterhin ausgesetzt sind. Indem der Film Heterosexualität satirisch als Virus inszeniert, seziert er Heteronormativität, vergisst aber nie, auch die queere Szene liebevoll auf die Schippe zu nehmen. So wird das Spielfeld geebnet und der Intoleranz frech der Mittelfinger gezeigt. Ein Triumph. DM

15) Obsession

Alles verzehrende Begierde führt zu Blutvergießen und eingeschlagenen Schädeln in Curry Barkers verdrehter Betrachtung von Co-Abhängigkeit. Nachdem Bear (Michael Johnston) sich wünscht, seine beste Freundin Nikki (Inde Navarrette) möge „ihn mehr lieben als jeden anderen Menschen auf der Welt“, wird sie prompt besessen – und immer erratischer in ihrer Verzweiflung. Das ist das genaue Gegenteil einer Liebesgeschichte: eine blutige Austreibung toxischer Verliebtheit, zerstörerischer Erwartungen und emotionaler Unreife. Navarrettes Spiel ragt heraus, weil es so körperlich und schmerzhaft ist; ihr verkrampftes Lächeln steht ständig im Krieg mit dem Leid ihres verlorenen Selbst. Ähnlich wie Backrooms (dazu später mehr) kündigt Obsession eine neue Horror-Ära an – kühn, innovativ und geschöpft aus den düsteren Tiefen eines digitalen Unterbewusstseins. AB

14) Amélie et la métaphysique des tubes (Little Amelie or the Character of Rain)

Basierend auf dem autobiografischen Bestseller „Métaphysique des tubes“ von Amélie Nothomb erzählt dieser franko-belgische Animationsfilm, der in den 1960er Jahren spielt, von einem kleinen Mädchen, das in Kobe in Japan lebt – einer Stadt, die noch die Narben des Krieges trägt. Amélie wird bei der Geburt als „Gemüse“ diagnostiziert. Die Erzählerstimme verrät jedoch, dass sie mehr ist als das... An ihrem zweiten Geburtstag erschüttert ein Erdbeben die Stadt. Es lässt Amélie erwachen, aus ihrem vegetativen Zustand ausbrechen und auf alles reagieren, was sie umgibt. Die Regisseurinnen Maïlys Vallade und Liane-Cho Han schaffen eine bewegende Ode an Kindheit, kulturelle Verbundenheit und die Kraft belgischer Schokolade. Es ist eine fesselnde Geschichte über die Magie des frühen Bewusstwerdens, aber auch eine Reise zu der Erkenntnis, dass man nicht der gottgleiche Mittelpunkt des Universums ist, sondern nur ein Teil des Ganzen. Mit wunderschöner 2D-Animation, die europäische und japanische Stile verbindet, und einem hinreißenden Score von Mari Fukuhara zeigt Little Amelie or the Character of Rain einmal mehr, wie Animation, oft zu Unrecht als „für Kinder“ abgetan, die komplexesten Gefühle in scheinbar einfachen Geschichten verhandeln kann. DM

13) The Invite

Nach ihrem hervorragenden Regiedebüt Booksmart (2019) und dem kontroversen, deutlich weniger gelungenen Nachfolger Don't Worry Darling (2022) meldet sich Olivia Wilde mit ihrem dritten und wohl bisher besten Film zurück: The Invite. Die Neuverfilmung von Cesc Gays spanischem Film Sentimental von 2020 konzentriert sich auf Joe (Seth Rogen) und Angela (Olivia Wilde), ein erschöpftes, unglückliches Paar, das seine Nachbarn von oben, Pina (Penélope Cruz) und Hawk (Edward Norton), zu einem gemeinsamen Abend einlädt. Deren enthusiastisches Sexleben war durch die Zimmerdecke längst bekannt. Doch im Verlauf des Abends wird aus peinlichem Smalltalk eine urkomische und überraschend berührende Erkundung von Liebe, Begehren und modernen Beziehungen. TF

12) The Odyssey

Er hat Batman neu belebt, einen Traumraub inszeniert, das Weltall erkundet und mehrere Oscars für sein dreistündigen Biopic über die Entstehung der Atombombe gewonnen... Was tut Christopher Nolan als Nächstes? Er hat seinen inneren Kubrick entdeckt, scheut weder Maßstab noch Ambition und adaptiert das beinahe unadaptierbare, älteste bekannte literarische Werk. Und als wäre das nicht genug, hat er alles erstmals vollständig in IMAX gedreht. Nolans Version von Homers grundlegender Epopöe ist ohne Zweifel sein bislang ehrgeizigstes Projekt, und diese monumentale technische Leistung verdient Respekt. Zugleich bleibt es ein uneinheitlicher Film. Nolans Vorliebe für nichtlineare Erzählstrukturen wird ihm diesmal zum Verhängnis: The Odyssey leidet vor allem in der ersten Hälfte unter holprigen Schnitten und Problemen beim Tempo. Zudem hätten Odysseus’ gefährliche Abenteuer mehr Raum vertragen, damit die Spannung wirklich greift. Wenn der Film im letzten Akt zu einem fokussierteren Ganzen findet, hat man viel Ehrfurcht gespürt, aber kaum Gefühle, die aus den Figuren erwachsen. Spaß übrigens auch wenig – dabei hatte Homers Epos davon reichlich. Selbst wenn The Odyssey nicht das lupenreine Meisterwerk ist, als das ihn der Hype mancherorts feiert, bleibt unbestreitbar: Nur Nolan konnte ein derart wagemutiges Kinoereignis überhaupt möglich machen. DM

11) Marty Supreme

Marty Supreme ist ein adrenalinstrotzender Abstieg in das Chaos und die Katastrophen eines gejagten Traums – nichts für schwache Nerven. Vor dem Hintergrund des Nachkriegsrauschs im New York der 1950er Jahre folgt der Film dem jungen Marty Mauser (Timothée Chalamet), der vor nichts zurückschreckt – nicht einmal vor einem äußerst schlecht gelaunten Mafiaboss –, um der größte Tischtennis-Champion der Welt zu werden. Durchzogen von Safdies typischem Filmstress ist es eine ununterbrochene Angstattacke, bei der man durch die eigenen Finger auf die Leinwand blickt und flüstert: „Oh nein.“ Zugleich ist es ein fesselndes, sinnliches Charakterporträt, das mitten im entfesselten Wahnsinn den amerikanischen Traum Schicht um Schicht zerlegt. AB

10) The Drama

In dieser rabenschwarzen Satire stülpt Kristoffer Borgli die zuckersüße Optimismus-Schablone von Romcoms nach innen und zeigt die hässlichen Innereien von Langzeitbeziehungen. Nach einem klassischen „Meet Cute“ im Coffeeshop verlieben sich Emma (Zendaya) und Charlie (Robert Pattinson) und verloben sich. Je näher die Hochzeit rückt, desto mehr steigen die Ängste. Ein betrunkener Spieleabend mit der Frage „Was ist das Schlimmste, das du je getan hast?“ verwandelt die scheinbar Insta-perfekte Beziehung schlagartig in die Hölle. Borgli zerlegt gnadenlos die Ideale einer Zeit, in der soziale Medien Fassade und Selbstbild bestimmen. Er springt zwischen Vergangenheit und Gegenwart und zeigt die vielschichtigen Täuschungen unserer Identitäten. Man lacht, windet sich vor Unbehagen und fragt sich unweigerlich: Kennen wir eigentlich irgendjemanden wirklich? Sogar uns selbst? AB

9) Mr Nobody Against Putin

Zu Beginn des Jahres untersagte ein russisches Gericht die Verbreitung von Mr Nobody Against Putin. Die Behörden behaupteten, die Oscar-prämierte Dokumentation fördere „negative Einstellungen“ gegenüber der Regierung und dem Krieg in der Ukraine. Wenn dieser offene Akt der Zensur Ihr Interesse noch nicht geweckt hat, wissen wir auch nicht weiter. Unter der Regie von David Borenstein und Pavel „Pasha“ Talankin folgt der Film Talankin – einem trotzigen Lehrer, der heimlich Aufnahmen einer Schule in Karavash in der Region Tscheljabinsk macht. Über zwei Jahre hinweg dokumentieren seine Bilder, wie die Putin-Regierung versucht, die öffentliche Wahrnehmung des anhaltenden Kriegs in der Ukraine zu steuern. Der kraftvolle Film ist ein Exposé darüber, wie Pro-Kriegs-Propagandastunden und „patriotische Inszenierungen“ seit 2022 in Klassenzimmer eingeführt wurden. Er verdeutlicht die „unzähligen kleinen Akte der Komplizenschaft“, von denen Talankin in seiner Oscar-Dankesrede sprach. Es ist eine Geschichte über Indoktrination, Radikalisierung und Militarisierung – und vor allem über den Mut eines Mannes, der alles andere als ein „Niemand“ ist. Er hat westlichen Zuschauern nicht nur einen Einblick in den russischen Alltag eröffnet, sondern auch ein scharfes Porträt eines ideologischen Kriegs geliefert, das uns beunruhigen sollte. Die Echos im Westen sind deutlich. Und alarmierend. DM

8) In die Sonne schauen (Sound Of Falling)

Mascha Schilinskis Debütfilm Dark Blue Girl aus dem Jahr 2017 war vielversprechend, aber nichts bereitete uns auf Sound of Falling vor – den Film, mit dem sie beim letztjährigen Filmfestival von Cannes den Preis der Jury gewann. Es ist ein rätselhafter Coming-of-Age-Film, der vier Generationen von Mädchen verfolgt, verbunden durch einen düsteren Bauernhof in der Altmark. Der Film springt zwischen vier historischen Epochen (Vorzeit des Ersten Weltkriegs, Nachkriegszeit, DDR der achtziger Jahre und 21. Jahrhundert). Daraus entsteht ein ehrgeiziges, verstörendes Puzzle über Weiblichkeit und unausgesprochene Generationstraumata. Gespräche und Situationen hallen durch die Zeiten, während sich nach und nach eine fast ätherische Ebene einschleicht. Schilinski beunruhigt ihr Publikum meisterhaft mit Rätseln, um es tiefer in diese Welt hineinzuziehen. Klar ist: Das ist kein leichter Film für den Freitagabend. Wer aber ein romanhafteres Arthouse-Juwel sucht, das die Ankunft einer spannenden neuen Regiestimme markiert, sollte diesen Film nicht verpassen. DM

7) Backrooms

In der einsamen Beigefarbigkeit des ländlichen Amerika der Neunzigerjahre spielt Backrooms. Ein wütender Verkäufer (Chiwetel Ejiofor) und seine traumatisierte Therapeutin (Renate Reinsve) gelangen in einen versteckten Raum hinter einem Möbelgeschäft. Fensterlos und still – abgesehen vom tiefen Summen der Neonröhren – wirkt dieser Ort wie eine ausgespuckte, verzerrte Version der Realität. Ein Labyrinth aus Teppichzimmern, in dem sich Albträume und Nostalgie mischen und das, was wir am meisten fürchten, irgendwo zwischen den endlosen Gängen lauert. Regie führt der gerade einmal 20-jährige Kane Parsons. Das Ergebnis ist eine bemerkenswert kreative und unheimliche Leistung. Durch den Blick der Internetkultur fängt der Film die Gegenwartsängste ein und zeigt die Grübelschleifen, in denen wir uns selbst gefangen halten. AB

6) No Other Choice

Park Chan-wook liegt selten daneben, und No Other Choice bestätigt einmal mehr, warum er zu den besten Regisseuren unserer Zeit gehört. Diese herrlich düstere Komödie folgt einem Familienvater (Lee Byung-hun), der seinen Job an die Automatisierung verliert und beschließt, dass der einzige Weg zurück darin besteht, seine Konkurrenz buchstäblich auszuschalten. Der Film ist zugleich Thriller, Satire und absurdes Comedy-Stück. Er ist teuflisch witzig und scharf in seiner Analyse von Kapitalismus, Jobunsicherheit und den entmenschlichenden Effekten der modernen Arbeitswelt. Stilvoll, unberechenbar und brillant gebaut verdient No Other Choice deutlich mehr Aufmerksamkeit, als ihm bislang zuteil wurde. TF

5) 28 Years Later: The Bone Temple

Der zweite Teil der 28 Years-Trilogie ist ein wuchtiger, brutaler Film, der der britischen Gesellschaft einen Spiegel vorhält – und an der Menschlichkeit festhält in einer Welt, die vom Zorn zerfressen ist. Nach den Ereignissen von 28 Years Later begleiten wir den jungen Spike (Alfie Williams), der von einer gewalttätigen, teufelsverehrenden Gang namens Jimmies gefangen gehalten wird. Parallel dazu entwickelt Dr. Ian Kelson (Ralph Fiennes) eine Beziehung zu einem Wirbelsäulen herausreißenden Alpha (Chi Lewis-Parry) und erkennt, dass das Rage-Virus, das die Britischen Inseln verheert hat, womöglich doch behandelbar ist. Durch Nia DaCostas selbstbewusste Regie wächst das Franchise zu einem wirbelnden Spektakel aus Euphorie und Übelkeit. An die Stelle der Zombies tritt der Horror – und die Hoffnung – der menschlichen Natur. AB

4) The Testament of Ann Lee

Amanda Seyfried liefert in The Testament of Ann Lee die bislang beste Leistung ihrer Karriere als Predigerin im 18. Jahrhundert, die die Shaker anführt, eine Sekte singender Quäker. Ihre wilde Darstellung religiöser Hingabe trägt Mona Fastvolds schwer zu fassendes Drama, das sie gemeinsam mit ihrem Partner Brady Corbet (The Brutalist) geschrieben hat. Der Film ist historisches Biopic, eigentümlich choreografiertes Folk-Musical und faszinierende Kuriosität zugleich. Er zeigt, wie spirituelle Akte der Hingabe auf der Leinwand als weibliche Selbstermächtigung sichtbar werden können. Das wird nicht jedermanns Sache sein – und die 137-minütige Laufzeit testet die Geduld. Wer sich aber den fiebrigen Rhythmen hingibt und die Rätselhaftigkeit akzeptiert, wird reich belohnt. So anspruchsvoll es auch erscheint: Eine zweite Sichtung des Films löst gleichermaßen Schwindel und Staunen aus. DM

3) The Mastermind

Josh O’Connor setzte seinen Aufstieg zum Star in diesem Jahr mit Oliver Hermanus’ Periodenromanze The History of Sound und Steven Spielbergs Disclosure Day fort. Doch das mit Abstand beste Werk ist Kelly Reichardts The Mastermind. Als Heist-Film über einen überforderten Familienvater verkauft, der plant, Kunstwerke aus einer Vorort-Galerie zu stehlen, entfaltet sich der Film eher als langsam brennende Charakterstudie – über einen Möchtegern-Dieb und den sogenannten amerikanischen Traum. Vor dem Hintergrund des Vietnamkriegs erzählt dieses naturalistische Drama leise, aber eindringlich von der Erkenntnis, dass man selbst der Architekt seines eigenen Niedergangs sein könnte. Für den Mann durch Anspruchsdenken und schiere Ahnungslosigkeit. Für die Nation durch eine Verblendung gegenüber einem System, das alle zum Scheitern verurteilt. Getragen von der Körnung echten 35mm-Filmmaterials und einer Liebe zum Detail, die weniger gewissenhafte Regisseure ignoriert hätten, zeigt The Mastermind, warum O’Connor zu den gefragtesten Schauspielern seiner Generation gehört. Und bestätigt zugleich, dass Reichardt die eigenwilligste und konstanteste Regisseurin ihrer Generation ist. DM

2) Pillion

Anschnallen: Harry Lightons Pillion ist ohne Zweifel das kühnste Regiedebüt des Jahres. Eine entwaffnend zarte queere BDSM-Romanze, die unter all dem Schwanzlutschen, Knebelspielen, Stiefellecken und kinky Überfluss eine überraschende emotionale Tiefe findet. Im Mittelpunkt steht Colin (Harry Melling), ein unbeholfener, einsamer junger Mann, dessen tristes Leben auf den Kopf gestellt wird, als er Ray (Alexander Skarsgård) trifft, den stoischen, unglaublich attraktiven Anführer einer Motorradgang. Als Colin buchstäblich in eine Welt aus Dominanz, Unterwerfung, Kink und Biker-Kultur hineingestoßen wird, taucht auch das Publikum in diese Szene ein. Der Film ist hervorragend gespielt, wirklich witzig und zugleich unerwartet bewegend. Dass Skarsgård dabei Leder trägt, schadet natürlich überhaupt nicht. TF

1) Kota (Hen)

Viele werden den Spitzenplatz wohl Christopher Nolans The Odyssey geben. Unser Nummer-eins-Favorit für 2026 ist jedoch eine andere Odyssee – ebenfalls in Griechenland angesiedelt. Aus der Perspektive einer Henne erzählt, die aus einer Batteriehaltung flieht, wirkt György Pálfis Hen wie eine epische Reise, die weit über das Geflügelhafte hinausgeht. Der ungarische Regisseur mischt Schwarze Komödie und Horror zu seiner schrägen Version von Chicken Run. Gemeinsam mit Kameramann Giorgos Karvelas, der brillant eine Art Vogelperspektive auf die gefiederte Protagonistin einfängt, zeigt er die Odysseus-artigen Prüfungen, die das widerstandsfähige Tier bestehen muss. Füchse, Habichte, lüsterne Hähne, Hunde und die Grausamkeit der Menschen pflastern ihren gefährlichen Weg in Richtung Zuflucht. Der Schnitt ist hervorragend, das Tiertraining kaum zu glauben, und das Gleichnis über die Abgründe der Menschheit ist packend. Pálfi überzieht seine Parabel nie – auch dann nicht, wenn die Parallelen zur Realität der Globalisierung und des Menschenhandels offensichtlich werden. Vergleiche mit Viktor Kossakovskys Gunda, Jerzy Skolimowskis EO oder Andrea Arnolds Cow drängen sich auf; vielleicht ist als Referenz aber eher der letztjährige Oscar-Gewinner Flow passend. Was Pálfi 2026 geschaffen hat, ist dennoch etwas ganz Eigenes. Er beweist, dass die aufregendsten und gefährlichsten Odysseen nicht zwangsläufig das größte Ausmaß, das höchste Budget oder den größten Hype brauchen. Manchmal reicht eine kämpferische Henne, die ums Überleben ringt. DM

Damit wären wir am Ende. Falls Sie das Gefühl haben, dass wichtige Titel fehlen: Die Abwesenheit von Hamnet, Project Hail Mary, Disclosure Day und Toy Story 5 ist beabsichtigt. Schreiben Sie uns unten in den Kommentaren.

Was haben wir verpasst – und was waren Ihre bisherigen Kinohöhepunkte des Jahres?

Bleiben Sie bei Euronews Culture dran, um zu erfahren, wie viele unserer Halbjahres-Favoriten es in die Jahresbestenliste schaffen. Und schauen Sie auch in unser Ranking der besten Alben 2026 ... bislang.