Odysseen, Knochen, Hennen: Die besten Filme 2026 bisher

Das Jahr 2026 ist zur Hälfte vorbei – höchste Zeit, auf die Filme zu schauen, die es bislang geprägt haben.

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Die Auswahlkriterien für diese Liste sind klar: Entscheidend ist, dass die Filme seit Januar 2026 in europäischen Kinos oder online gestartet sind – unabhängig davon, ob einige Titel in den USA bereits im vergangenen Jahr herauskamen.

Bevor wir mit unserem Countdown zum bislang besten Film des Jahres beginnen: Wundern Sie sich nicht, wenn Titel wie The Blue Trail, The Voice of Hind Rajab, Sorda oder Sirāt nicht auftauchen. Sie liefen in Kontinentaleuropa schon im vergangenen Jahr und haben es bereits in unsere Best Movies of 2025-Liste geschafft.

Ohne weitere Umschweife: Hier sind die Highlights, die Sie von Ihrer Watchlist streichen sollten – falls Sie sie noch nicht gesehen haben.

20) Send Help

Den Auftakt macht ein herrlich boshafter, ab 18 freigegebener Horrorfilm von Genre-Legende Sam Raimi. Die Ausgangslage von Send Help ist simpel: Rachel McAdams spielt eine unterschätzte Konzernforscherin, Dylan O'Brien den selbstgefälligen CEO und Nepo-Baby, der ihr Leben zur Hölle macht – bis ein Flugzeugabsturz beide auf einer abgelegenen Insel stranden lässt. Die Hierarchie aus dem Büro zerbröselt spektakulär. Originell ist das Setting nicht, doch McAdams und O'Brien haben großartige Chemie, Raimi liefert den überdrehten, campigen Splatter, den man von ihm erwartet, und genug Wendungen, um bis zum Schluss bei der Stange zu bleiben. Die perfekte Definition eines Popcornfilms. TF

19) I Swear

Basierend auf der bemerkenswerten wahren Geschichte von John Davidson, der als Teenager im Schottland der 1980er Jahre mit Tourette-Syndrom diagnostiziert wurde, erzählt I Swear seinen Weg vom gemobbten Schüler zum Aktivisten, der später für sein Engagement mit dem MBE ausgezeichnet wird. Manche werden die Augen rollen über die deutlich publikumsfreundliche Wohlfühlformel. Doch Robert Aramayos BAFTA-prämierte Hauptrolle und starkes Spiel unter anderem von Maxine Peake und Peter Mullan heben den Film weit über gängige Konventionen. Er ist konsequent witzig, herzlich und lehrreich, ohne je belehrend zu wirken. Die Anfeindungen, denen Davidson nach seinen unwillentlichen Ausrufen bei den diesjährigen BAFTAs ausgesetzt war, zeigen klar, dass die Vorurteile, gegen die er seit Jahrzehnten kämpft, noch immer existieren – und weshalb Geschichten wie I Swear weiterhin erzählt werden müssen. TF

18) Mother Mary

Drehbuchautor und Regisseur David Lowery (A Ghost Story, The Green Knight) inszeniert Anne Hathaway als gleichnamigen Popstar, die verzweifelt ein Comeback sucht. Sie steht irgendwann vor der Tür ihrer früheren Freundin und Designerin Sam Anselm (Michaela Coel) und fleht sie an, ein Kleid für einen bevorstehenden Headline-Auftritt zu entwerfen. Das Outfit soll Mother Marys Neuerfindung verkörpern. Dann wird es seltsam ... Mother Mary beginnt als von finsterer Vorahnung durchzogenes Kammerspiel und wächst zu einer gotischen Geistergeschichte, in der Metaphysik auf Spiritualität trifft und schließlich zu einer Art Exorzismus gemeinsamer Traumata führt. Der Film ist eigensinnig, betont wortreich und ein idealer psychologischer Gegenpart für ein verstörtes Double Feature mit Peter Stricklands In Fabric. Vor allem aber ist es ein mutiges, extravagantes Stück Kino, das im Gedächtnis bleibt – wie ein Stück schimmernder roter Stoff. DM

17) Twinless

Auf den ersten Blick wirkt Twinless wie eine skurrile Komödie über zwei Fremde, die durch ihre Trauer zusammenfinden. Doch James Sweeneys zweiter Spielfilm entpuppt sich nach und nach als wesentlich vielschichtiger: eine scharfe, emotionale, bizarre und oft unbequeme Erkundung von Verlust, Einsamkeit, Liebe und dem Bedürfnis, gesehen zu werden. Dylan O'Brien liefert vielleicht die stärkste Performance seiner Karriere, und Sweeney beweist sich als echtes Dreifachtalent – Autor, Regisseur und Darsteller. Dieses wunderbar merkwürdige, urkomische und herzzerreißende Werk ist unbedingt sehenswert. TF

16) Jim Queen à la recherche de la Chloroqueer (Jim Queen and the Quest for Chloroqueer)

Der in Cannes vorgestellte Animationsfilm ist einer der großen Überraschungserfolge aus Frankreich und definitiv kein Titel, den man verschlafen sollte. Für ihr Regiedebüt erzählen Nicolas Athané und Marco Nguyen die Geschichte von Jim, einer schwulen Ikone der Pariser Szene, dessen Welt aus den Fugen gerät, als er einen Mode-Fauxpas begeht und plötzlich die Abseitsregel im Fußball versteht ... Das Schlimmste ist passiert: Er hat sich mit „Heterosis“ infiziert, einem Virus, das schwule Männer in Heterosexuelle verwandelt. Gemeinsam mit seinem neu gewonnenen Twink-Freund Lucien begibt er sich auf die Suche nach einem Heilmittel, das die Community vor der Auslöschung retten könnte. Jim Queen ist eine witzige, respektlos-ironische und selbstironische Liebeserklärung an die LGBTQ+-Community. Ein von COVID-Erfahrungen geprägter Aufruf zum Handeln, der sich mit Homophobie und den Bedrohungen auseinandersetzt, denen schwule Menschen in der modernen Gesellschaft ausgesetzt sind. Indem Heterosexualität satirisch als Virus dargestellt wird, zerlegt der Film Heteronormativität, ohne darauf zu verzichten, auch die queere Szene liebevoll auf die Schippe zu nehmen – und so das Spielfeld zu nivellieren und der Intoleranz den Mittelfinger zu zeigen. Ein Triumph. DM

15) Obsession

Alles verzehrende Begierde führt zu Blut und eingeschlagenen Köpfen in Curry Barkers verdrehter Betrachtung von Co-Abhängigkeit. Nachdem Bear (Michael Johnston) sich wünscht, seine beste Freundin Nikki (Inde Navarrette) möge „ihn mehr lieben als jeden anderen Menschen auf der Welt“, wird sie schlagartig besessen – und immer erratischer in ihrer Verzweiflung. Das ist das Gegenteil einer Liebesgeschichte: eine blutige Ausstoßung toxischer Verliebtheit, zerstörerischer Erwartungen und emotionaler Unreife. Navarrettes Auftritt ragt heraus durch seine körperliche Wucht; ihre gequälten Lächeln stehen ständig im Krieg mit dem Schmerz ihres verlorenen Selbst. Ähnlich wie Backrooms (mehr dazu weiter unten) markiert Obsession eine neue Ära des Horrorkinos – mutig, innovativ und geboren aus den dunklen Tiefen des digitalen Unterbewusstseins. AB

14) Amélie et la métaphysique des tubes (Little Amelie or the Character of Rain)

Basierend auf dem Bestseller „Métaphysique des tubes“, dem autobiografischen Roman von Amélie Nothomb, erzählt dieser französisch-belgische Animationsfilm aus den 1960er Jahren von einem kleinen Mädchen in Kobe, Japan – einer Stadt, die noch von den Narben des Kriegs gezeichnet ist. Amélie wird bei der Geburt als „Gemüse“ diagnostiziert. Die Stimme aus dem Off verrät uns jedoch, dass sie mehr ist als das ... An ihrem zweiten Geburtstag erschüttert ein Erdbeben die Stadt, Amélie erwacht, bricht aus ihrem vegetativen Zustand aus und beginnt, auf alles um sie herum zu reagieren. Die Regisseurinnen Maïlys Vallade und Liane-Cho Han schaffen eine bewegende Ode an Kindheit, interkulturelle Bindungen und die Kraft belgischer Schokolade. Es ist eine fesselnde Geschichte über die Magie frühkindlichen Bewusstseins, zugleich eine Reise zu der Erkenntnis, dass man nicht der gottgleiche Mittelpunkt des Universums ist, sondern Teil eines Ganzen. Mit wunderschöner 2D-Animation, die europäische und japanische Stile vereint, sowie einem eindrucksvollen Score von Mari Fukuhara zeigt Little Amelie or the Character of Rain einmal mehr, wie Animationsfilme, viel zu oft als „nur für Kinder“ abgetan, einige der komplexesten Gefühle in vermeintlich einfachen Geschichten verhandeln können. DM

13) The Invite

Nach ihrem grandiosen Debüt Booksmart (2019) und dem kontrovers diskutierten, weniger geglückten Nachfolger Don't Worry Darling (2022) meldet sich Olivia Wilde mit ihrem dritten und vielleicht besten Film zurück: The Invite. Das Remake von Cesc Gays spanischem Film Sentimental von 2020 konzentriert sich auf Joe (Seth Rogen) und Angela (Olivia Wilde), ein ausgebranntes, unglückliches Paar, das seine Nachbarn von oben, Pina (Penélope Cruz) und Hawk (Edward Norton), zu einem gemeinsamen Abend einlädt. Deren enthusiastisches Sexleben ist durch die Zimmerdecke schon lange präsent, doch im Lauf der Nacht verwandelt sich peinliches Smalltalk-Geplänkel in eine urkomische und überraschend berührende Untersuchung von Liebe, Begehren und modernen Beziehungen. TF

12) The Odyssey

Er hat Batman wiederbelebt, einen Traumraub inszeniert, den Weltraum erobert und mehrere Oscars für sein dreistündiges Biopic über die Geburt der Atombombe gewonnen. Was macht Christopher Nolan als Nächstes? Er umarmt seinen inneren Kubrick, schreckt vor keiner Größe und keinem Aufwand zurück und adaptiert das nahezu unadaptierbare, älteste bekannte literarische Werk. Als wäre das nicht genug, dreht er den gesamten Film erstmals komplett in IMAX. Nolans Version von Homers grundlegender Epopöe ist ohne Zweifel sein ambitioniertestes Projekt, und es gibt viel zu bewundern an diesem monumentalen technischen Kraftakt. Zugleich bleibt es ein unausgeglichenes Werk. Seine Vorliebe für nicht-lineare Erzählstrukturen gerät ihm hier zum Stolperstein: The Odyssey leidet insbesondere in der ersten Hälfte unter ungelenken Schnitten und Problemen beim Tempo. Zudem hätten Odysseus’ gefährliche Abenteuer mehr Raum verdient, um die Spannung wirklich spürbar zu machen. Erst im letzten Akt fügt sich der Film zu einem fokussierteren Ganzen; bis dahin hat man zwar Ehrfurcht empfunden, aber wenig echte Emotionalität, die aus den Figuren kommt. Und auch wenig Spaß – den Homers Epos durchaus bietet. Selbst wenn The Odyssey nicht das makellose Meisterwerk ist, als das es vom Hype gern gefeiert wird, steht außer Frage, dass nur Nolan ein derart wagemutiges Kinoereignis überhaupt hätte stemmen können. DM

11) Marty Supreme

Marty Supreme ist ein Adrenalinrausch, ein Abstieg in das Chaos und die Katastrophen, die mit dem Verfolgen eines Traums einhergehen – nichts für schwache Nerven. Vor dem Hintergrund des Nachkriegsüberschwangs im New York der 1950er Jahre begleitet der Film den jungen Marty Mauser (Timothée Chalamet), der vor nichts zurückschreckt, nicht einmal vor einem bis aufs Blut provozierten Mafiaboss, um der beste Tischtennisspieler der Welt zu werden. Durchzogen von Safdies typischem filmischem Stress ist das ein nahezu ununterbrochener Angsttrip, bei dem man durch die Finger auf die Leinwand blickt und leise „Oh nein“ flüstert. Gleichzeitig entsteht ein fesselndes, sinnliches Charakterporträt, das bei aller Raserei den amerikanischen Traum Punkt für Punkt auseinander nimmt. AB

10) The Drama

In dieser düster-komischen Satire nimmt Kristoffer Borgli den niedlichen Optimismus klassischer Romcoms und dreht ihn auf links – um die ungeschönte Innenseite langjähriger Beziehungen zu zeigen. Nach einem typischen „Meet-cute“ in einem Café verlieben sich Emma (Zendaya) und Charlie (Robert Pattinson) und verloben sich. Je näher die Hochzeit rückt, desto mehr steigen die Ängste. Ein Trinkspiel mit der Frage „Was ist das Schlimmste, das du je getan hast?“ verwandelt die scheinbar Insta-perfekte Beziehung schlagartig in die Hölle. Der Film ist eine messerscharfe Abrechnung mit Idealbildern im Zeitalter inszenierter Social-Media-Identitäten. Er springt zwischen Vergangenheit und Gegenwart und zeichnet so die vielschichtigen Selbsttäuschungen unserer Persönlichkeit nach. Man lacht, windet sich und fragt sich unweigerlich: Kennen wir irgendjemanden wirklich? Uns selbst eingeschlossen? AB

9) Mr Nobody Against Putin

Zu Beginn des Jahres hat ein russisches Gericht die Verbreitung von Mr Nobody Against Putin verboten, weil die Behörden der Oscar-prämierten Dokumentation vorwerfen, „negative Einstellungen“ gegenüber Regierung und Krieg in der Ukraine zu fördern. Wenn dieser offene Akt der Zensur Ihr Interesse nicht bereits weckt, wissen wir nicht, was es sonst tun sollte. Regie führen David Borenstein und Pavel „Pasha“ Talankin. Der Film begleitet Talankin, einen unbeugsamen Lehrer, der heimlich Aufnahmen einer Schule in Karawasch in der Region Tscheljabinsk macht. Über zwei Jahre hinweg dokumentiert sein Material, wie die Regierung unter Wladimir Putin versucht, die öffentliche Wahrnehmung des andauernden Kriegs gegen die Ukraine zu steuern. Das kraftvolle Dossier zeigt, wie Pro-Kriegs-Propagandastunden und „patriotische Inszenierungen“ seit 2022 in die Klassenzimmer eingeführt werden und hebt genau jene „unzähligen kleinen Akte der Mitverantwortung“ hervor, von denen Talankin in seiner Oscar-Dankesrede sprach. Es ist eine Geschichte über Indoktrination, Radikalisierung und Militarisierung – vor allem aber über den Mut eines Mannes, der alles andere als ein „Niemand“ ist. Er hat westlichen Zuschauern nicht nur einen Blick auf den russischen Alltag eröffnet, sondern einen präzisen Schnappschuss eines ideologischen Kriegs geliefert, der uns aufrütteln sollte. Die Parallelen zum Westen sind deutlich. Und beunruhigend. DM

8) In die Sonne schauen (Sound Of Falling)

Mascha Schilinski zeigte mit ihrem Debüt Dark Blue Girl aus dem Jahr 2017 bereits Talent. Doch nichts bereitete uns auf Sound of Falling vor, den Film, mit dem sie im vergangenen Jahr den Jurypreis in Cannes gewann. Es ist ein verstörendes Coming-of-Age-Drama, das vier Generationen von Mädchen verfolgt, die durch einen düsteren Bauernhof in der Altmark miteinander verbunden sind. Der Film springt zwischen vier historischen Epochen – der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg, den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg, der DDR der 80er Jahre und der Gegenwart. Entstanden ist ein ambitioniertes, beunruhigendes Puzzle über Weiblichkeit und unausgesprochene Traumata, die sich über Generationen ziehen. Gespräche und Situationen hallen durch die Zeit, bestimmte ätherische Elemente schleichen sich ein, und Schilinski verunsichert ihr Publikum meisterhaft über Rätsel, um es noch tiefer in die Geschichte hineinzuziehen. Klar ist: Das ist kein leichter Freitagabendfilm. Wer jedoch eine fast romanhafte Arthouse-Perle sucht, die die Ankunft einer großen neuen Regiestimme markiert, sollte diesen Titel unbedingt aufspüren. DM

7) Backrooms

Im einsamen, beigefarbenen Nirgendwo des ländlichen Amerika der 90er Jahre folgen wir in Backrooms einem wütenden Verkäufer (Chiwetel Ejiofor) und seiner traumatisierten Therapeutin (Renate Reinsve) in einen verborgenen Raum hinter einem Möbelgeschäft. Fensterlos, still – abgesehen von einem dumpfen Brummen der Neonröhren – wirkt dieser Ort wie eine Ausspuckung der Realität. Ein Zwischenraum, in dem sich Albträume und Nostalgie mischen und das, was wir am meisten fürchten, in einem endlosen Labyrinth ausgelegter Teppichböden lauert. Regie führt der 20-jährige Kane Parsons, und was er hier abliefert, ist erstaunlich kreativ und unheimlich. Durch den Filter der Internetkultur fängt der Film aktuelle Ängste ein und jene wiederkehrenden Gedankenschleifen, in denen wir uns selbst gefangen halten. AB

6) No Other Choice

Park Chan-wook irrt selten, und No Other Choice erinnert eindrucksvoll daran, warum er zu den besten Regisseuren unserer Zeit gehört. Diese herrlich rabenschwarze Komödie zeigt einen Familienvater (Lee Byung-hun), der seinen Job an eine Maschine verliert und beschließt, dass er nur wieder nach oben kommt, wenn er seine Konkurrenz buchstäblich aus dem Weg räumt. Der Film ist zugleich Thriller, Satire und absurde Komödie. Er ist böse witzig und liefert eine messerscharfe Analyse von Kapitalismus, Jobunsicherheit und der Entmenschlichung moderner Arbeitswelten. Stilvoll, unberechenbar und brillant gebaut – dieser Film hätte viel mehr Aufmerksamkeit verdient, als er bislang bekommen hat. TF

5) 28 Years Later: The Bone Temple

Der zweite Teil der 28-Years-Trilogie ist ein bombastischer, brutaler Film, der der britischen Gesellschaft einen Spiegel vorhält – und zugleich an der Idee von Menschlichkeit festhält in einer Welt, die von Wut korrumpiert ist. Nach den Ereignissen von 28 Years Later begleiten wir den jungen Spike (Alfie Williams), der von einer gewalttätigen, teufelsverehrenden Gang namens Jimmies gefangen gehalten wird. Parallel dazu baut Dr. Ian Kelson (Ralph Fiennes) eine Beziehung zu einem Wirbelsäulenreißer-Alpha (Chi Lewis-Parry) auf und begreift, dass das Rage-Virus, das die britischen Inseln verheert hat, womöglich behandelbar ist. Unter der selbstbewussten Regie von Nia DaCosta hebt sich das Franchise in einen wirbelnden Rausch aus Euphorie und Übelkeit. Zombis werden ersetzt durch die Schrecken – und die Hoffnungen – der Menschlichkeit. AB

4) The Testament of Ann Lee

Amanda Seyfried liefert in The Testament of Ann Lee die beste Leistung ihrer bisherigen Karriere ab. Sie spielt eine Predigerin des 18. Jahrhunderts, die die Shaker anführt, eine Gemeinschaft singender Quaker. Ihre furiose Verkörperung religiöser Hingabe trägt Mona Fastvolds schwer einzuordnendes Drama, das sie gemeinsam mit ihrem Partner Brady Corbet (The Brutalist) schrieb. Es ist ein Historienbiopic, zugleich ein tief ungewöhnliches choreografiertes Folk-Musical – ein fesselnder Sonderling, der versteht, dass spirituelle Akte der Hingabe auf der Leinwand durch weibliche Ermächtigung sichtbar werden können. Dieser Film wird nicht jedermanns Sache sein und mit seiner Laufzeit von 137 Minuten die Geduld strapazieren. Wer sich jedoch seinen fiebrigen Rhythmen hingibt und die Rätselhaftigkeit akzeptiert, wird reich belohnt. So viel der Film auch abverlangt: Eine zweite Sichtung löst gleichermaßen Schwindel und Staunen aus. DM

3) The Mastermind

Josh O’Connor setzte seinen Aufstieg dieses Jahr fort – in Oliver Hermanus’ Periodenromanze The History of Sound und Steven Spielbergs Disclosure Day. Der überragende Film in seiner diesjährigen Vita ist jedoch mit Abstand Kelly Reichardts The Mastermind. Offiziell wird er als Heist-Movie beworben, in dem ein überforderter Familienvater einen Raub in einer Vorstadt-Galerie plant. Tatsächlich ist es eher eine langsam glühende Charakterstudie – über einen Möchtegern-Dieb ebenso wie über den sogenannten amerikanischen Traum. Vor der Kulisse des Vietnamkriegs entfaltet sich ein naturalistisches Drama, eine still mitreißende, beobachtende Meisterleistung über die Erkenntnis, dass man womöglich der Architekt des eigenen Scheiterns ist. Für den Mann durch Anspruchsdenken und blanke Ahnungslosigkeit. Für die Nation durch eine Verblendung gegenüber einem System, das letztlich alle auf Misserfolg programmiert. Getragen von dem warmen Korn von 35mm-Material und einer Detailtreue für die Zeit, die viele andere Regisseure als Nebensache abtun würden, zeigt The Mastermind, warum O’Connor zu den meistgefragten Schauspielern seiner Generation zählt. Und bestätigt einmal mehr, dass Reichardt die eigenwilligste und verlässlichste Filmemacherin ihrer Generation ist. DM

2) Pillion

Anschnallen: Harry Lightons Pillion ist ohne Zweifel das kühnste Regiedebüt des Jahres – eine entwaffnend zarte queere BDSM-Romanze, die unter all dem „cock-sucking, ball-gagging, boot-licking“ und Kink-Überfluss unerwartet große emotionale Tiefe findet. Im Zentrum steht Colin (Harry Melling), ein unbeholfener, einsamer junger Mann, dessen eintöniges Leben aus den Fugen gerät, als er Ray (Alexander Skarsgård) kennenlernt, den stoischen, unverschämt attraktiven Boss einer Biker-Gang. Mit Colin wird das Publikum buchstäblich in eine Welt aus Dominanz, Unterwerfung, Fetisch und Motorradkultur hineingeworfen. Der Film ist großartig gespielt, wirklich witzig und auf erstaunliche Weise berührend. Skarsgård in Leder schadet der Wirkung natürlich auch nicht. TF

1) Kota (Hen)

Viele würden den Spitzenplatz wohl Christopher Nolans The Odyssey geben. Unsere Nummer eins 2026 bislang ist jedoch eine andere Odyssee, ebenfalls in Griechenland angesiedelt. Aus der Perspektive einer Henne, die aus einer Legebatterie flieht, erzählt der ungarische Regisseur György Pálfi in Hen eine epische Reise – nicht nur von vogelartigen Ausmaßen. Für seinen eigenwilligen Chicken Run verbindet er rabenschwarzen Humor mit Horror. Gemeinsam mit Kameramann Giorgos Karvelas, der virtuos den „Vogelblick“ auf die gefiederte Heldin einfängt, zeigt Pálfi die Odysseus-haften Prüfungen, denen das zähe Küken ausgesetzt ist: Füchse, Habichte, lüsterne Hähne, Hunde und die Grausamkeit der Menschen säumen ihren gefährlichen Weg in ein mögliches Refugium. Die Montage ist herausragend, das Tiertraining kaum zu glauben, und das Gleichnis über die Abgründe der Menschheit ist mitreißend. Pálfi zieht diesen Faden – und die Versuchung, das Tier allzu menschlich zu machen – nie zu stark, auch wenn die Parallelen zur Realität von Globalisierung und Menschenhandel unübersehbar werden. Vergleiche mit Viktor Kossakovskys Gunda, Jerzy Skolimowskis EO oder Andrea Arnolds Cow drängen sich auf; noch passender ist jedoch die Verbindung zu Flow, dem Oscar-Gewinner des vergangenen Jahres. Was Pálfi 2026 geschaffen hat, ist dennoch etwas sehr Eigenes. Er zeigt, dass die spannendsten, gefährlichsten Odysseen nicht die größte Leinwand, das größte Budget oder den wildesten Hype brauchen. Manchmal reicht ein mutiges Huhn, das ums Überleben kämpft. DM

Das wäre unsere Auswahl. Falls Sie den Eindruck haben, dass gewichtige Titel fehlen: Die Nicht-Berücksichtigung von Hamnet, Project Hail Mary, Disclosure Day und Toy Story 5 ist beabsichtigt. Schreiben Sie uns Ihre Meinung unten in die Kommentare.

Welche Filme haben wir übersehen – und was waren Ihre persönlichen Kinohöhepunkte des Jahres?

Bleiben Sie bei Euronews Culture dran, um zu erfahren, wie viele unserer Halbjahres-Favoriten es am Ende in die Jahresbestenliste schaffen. Und werfen Sie unbedingt einen Blick auf unser Ranking der Best Albums of 2026 ... So Far.