Exklusivinterview: Gefeierte Schauspielerin Sandra Hüller über ihre Rollen

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Was war das für ein Jahr für Sandra Hüller.

Die deutsche Schauspielerin hatte 2016 ihren internationalen Durchbruch mit Maren Ades Toni Erdmann, der bei seiner Premiere in Cannes die Massen begeisterte und die Schauspielerin auch außerhalb ihres Heimatlandes zu neuen Höhenflügen verhalf. Sogar die Oscars klopften an, als Toni Erdmann für einen Academy Award nominiert wurde.

Doch in diesem Jahr stand Hüller voll und ganz im Rampenlicht.

Sie spielt die Hauptrolle in zwei der besten Filme des Jahres 2023: in dem mit der Goldenen Palme von Cannes ausgezeichneten Film Anatomie eines Falls, in dem sie Sandra Voyter spielt, eine Schriftstellerin und Mutter, die des Mordes angeklagt ist, und in dem mit dem Großen Preis von Cannes ausgezeichneten Holocaust-Drama The Zone of Interest, einem der lebendigsten Filme der letzten Zeit, in dem sie Hedwig Höss spielt, die Ehefrau des Auschwitz-Kommandanten Rudolf Höss - einem der berüchtigtsten Massenmörder der Geschichte.

Die Vielseitigkeit, die die 45-jährige Schauspielerin in diesem Jahr auf der Leinwand gezeigt hat, ist wirklich beeindruckend und hat Vergleiche sowohl mit Ingrid Bergman als auch mit Isabelle Hupert aufkommen lassen. Sowohl Anatomie eines Falls als auch The Zone of Interest zeigen eine Darstellerin auf dem Gipfel ihres Könnens.

Da beide Filme in den USA mit Preisen überhäuft werden und in der diesjährigen Preisverleihungssaison bereits mehrere Trophäen gewonnen haben - darunter den Preis für die beste Darstellerin bei den Gotham Awards, den Europäischen Filmpreisen, den wichtigsten Schauspielpreis der Los Angeles Film Critics Association und bereits eine Nominierung für den Golden Globe als beste Darstellerin -, stehen die Chancen gut, dass Hüller mit ihrer Rolle in zwei nicht englischsprachigen Filmen für den Oscar nominiert wird.

Doch vor der Oscar-Verleihung im kommenden März - bei der beide Filme als offizielle Beiträge Frankreichs und Großbritanniens für den Oscar in der Kategorie "Bester internationaler Spielfilm" nominiert sind - setzte sich Euronews Culture mit dem unbestrittenen Star von 2023 in Berlin zusammen, bevor sie als beste Schauspielerin ausgezeichnet wurde, um über die beiden Filme, die Herausforderungen, die mit der Rolle eines Nazis verbunden sind, sowie über den auf sie gerichteten Preis-Rummel zu sprechen.

Euronews Kultur: Beginnen wir mit Anatomy of a Fall. Ich habe gelesen, dass Sie sich nicht sicher waren, ob die Figur, die Sie spielen, schuldig oder unschuldig ist, und dass die Regisseurin Justine Triet Ihnen gesagt hat, sie möchte, dass Sie sie so spielen, als sei sie unschuldig. Wie sind Sie mit dieser Unsicherheit umgegangen?

Sandra Hüller: Bei einer Vorführung in Rumänien hat mich jemand gefragt, ob ich sagen würde, dass es ein Film über eine Frau ist, die beschuldigt wird, ihren Mann getötet zu haben, oder ob es eine Geschichte über einen Sohn ist, dessen Mutter beschuldigt wird, seinen Vater getötet zu haben. Und ich denke, diese Perspektive ist wirklich wichtig. Justine wollte nie den Blickwinkel des Jungen verlieren. Er weiß es nicht. Er erfährt es auch erst am Ende. Es geht also nur um die eigene Vorstellungskraft und darum, was man denken kann oder nicht.

Wenn ich arbeite, versuche ich meistens, nicht nur an die Figur zu denken. Ich denke immer an die ganze Sache. Sonst ist es zu eng für mich. Ich muss auch an all die anderen Dinge denken. Deshalb war es auch nicht so schwierig, weil wir etwas anderes erzählen wollten. Wir wollten etwas über die Suche nach der Wahrheit erzählen und darüber, wie sie möglich ist. Ich weiß nicht, ob ich es besser erklären kann.

Der Film spielt mit den Elementen der Detektivgeschichte, und es ist interessant, wenn man mit Leuten spricht, die den Film gesehen haben - es zeigt sich ein Muster, dass viele männliche Zuschauer glauben, dass sie es getan hat...

Komisch, was? Aber ich wusste es nicht. Und ich habe ein paar Tage lang damit gerungen, und dann habe ich beschlossen, dass das nicht wichtig ist. Ich wollte jeden Satz so sagen, dass die Leute glauben, was ich sage. Und selbst wenn jemand so etwas getan hätte, was ihr vorgeworfen wird, würden sie vielleicht vor Gericht immer noch glauben, dass sie unschuldig sind. Ich habe einfach versucht, glaubhaft zu sein in dem, was ich sage.

In dem Film wird Ihre Figur auch dafür verurteilt, dass sie eine Frau ist, dass sie bisexuell ist, dass sie nicht nett zu anderen Menschen ist. Und dafür, dass sie erfolgreich ist. Abgesehen von der Krimi-Intrige geht es in dem Film auch um die Rolle der Frau in der Gesellschaft.

Gestern Abend traf ich eine Freundin, die sagte: "Weißt du, das Wort Feminist wird auf alle möglichen Arten verwendet, aber in diesem Film ist es irgendwie angemessen." Und das ist es. Es ist ein echter, wahrer feministischer Film. Auch wenn er nicht mit dem Wort herumfuchtelt und es einem ins Gesicht drückt. Er zeigt das normale Verhalten der Menschen, und das ist eine Aussage.

Ich hatte das Vergnügen, mit Agnieszka Holland zu sprechen, und sie sagte, dass wir im Moment mehr kühne Filme brauchen, mutige Filme, Filme, die, wie Sie sagen, eine Aussage machen. Ist das etwas, wonach Sie bei der Auswahl Ihrer Rollen suchen? Und gerade in Anbetracht der turbulenten Zeiten, in denen wir leben, Filme, die über ihren künstlerischen Wert hinaus etwas zu sagen haben.

Ich denke, jede Rollenwahl ist eine politische Entscheidung. Selbst wenn man sagt: Ich will mich jetzt nicht mit Politik beschäftigen, weil ich einfach eine Pause brauche und etwas machen will, das mir leicht fällt. Auch das ist eine politische Entscheidung. Also, ja, ich stimme zu. Wir brauchen Filme, die etwas riskieren, natürlich. Und wir brauchen Leute, die eine starke Stimme haben und die sich trauen, sie zu artikulieren.

Justine (Triet) gibt uns viel Freiheit beim Schaffen und sie gibt uns viele Möglichkeiten, vielleicht nicht das Richtige zu tun. Aber es ist nie schlecht. Sie würde nie sagen: "Das ist schlecht, lass uns das noch mal machen". Und es gibt einige Leute, die das tatsächlich tun - "Das war wirklich schlecht!" Das ist etwas, das einem nicht wirklich das Gefühl gibt, dass man noch etwas zeigen sollte. Das ist nicht sehr ermutigend. Sie gibt alle möglichen Möglichkeiten vor, und sie will mit allen den Weg durch die Geschichte finden. Es geht nicht darum, dass sie irgendwo steht und sagt: "Es ist dies und das und das, und jeder muss diesen Weg gehen." Alles, was auf dem Weg liegt, nimmt sie mit. Und im Schneideraum schaut sie sich das dann an und überlegt, was sie damit machen will. Für einen Schauspieler wie mich ist das eine sehr gute Sache, weil ich alles machen kann und die Figur so reichhaltig wie möglich machen kann.

Justine Triet sagte, dass Sie Ihre Figuren sehr nah an sich heranführen. Andererseits sagten Sie über Jonathan Glazers The Zone of Interest, dass Sie sich nicht auf diese Weise in die Gedanken der Figuren hineinversetzen wollten. Wie haben Sie sich diesen Figuren genähert?

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Bei Hedwig Höss musste ich einen Weg finden, ohne mich in sie einzufühlen, um an diesem Projekt teilnehmen zu können, ohne tatsächlich eine Figur zu spielen. Also habe ich alle Elemente genutzt, die da waren - die unglaublichen Haare waren ein großer Teil davon, ebenso wie die Kostüme und das ganze Haus. All diese Dinge hatten einen Einfluss auf meine Präsenz in diesem Experiment. Ich denke, ich habe von außen her gearbeitet, von dem, was ich zeigen wollte, und normalerweise arbeite ich nicht von dem aus, was ich zeigen will, sondern von dem, was ich erleben will. Ich musste andere Wege finden. Ich musste zum Beispiel herausfinden, wie jemand geht, wenn man so viele Kinder im Garten gesehen hat oder vielleicht eine Last auf den Schultern trägt, derer er sich nicht bewusst ist...

Einer der fesselndsten Aspekte an dieser Rolle ist, wie alles so normalisiert wurde und wie Hedwig Höss sich mit ihrer Mutter, der Gartenarbeit, den Kindern verhält, als ob nebenan im Todeslager nichts los wäre. Sie haben sie so normal gespielt, und so rein. War es schwer, diese Art von Distanz zu finden?

Ich glaube, das war eine Art Aufgabe, und dieses Ergebnis ist das, worum es im Drehbuch ging und was wir zeigen wollten. Die Frage, die wir uns gestellt haben, war: Wie ist es möglich, so zu sein? Das war die ständige Frage, die uns beim Spielen durch den Kopf ging. Aber es fällt mir schwer, die Frage zu beantworten, denn wir haben das unglaubliche Sounddesign von Johnnie Burn nicht gehört, als wir dort waren. Wir wussten, wo wir waren, besonders als Deutsche. Wir wussten, was es bedeutet, dort zu sein. Ich war sehr gerührt von den Willkommensgesten aller Beteiligten aus dem polnischen Team. Diese bescheidene Arbeitsweise hat also das beeinflusst, was man jetzt sehen kann.

Sie haben offen darüber gesprochen, wie sehr es Ihnen widerstrebte, eine faschistische Frau zu spielen, und erzählten, dass Sie nicht einmal sicher waren, ob Sie zum Vorsprechen für The Zone of Interest erscheinen würden... Wie hat Jonathan Glazer Ihnen das Gefühl gegeben, sich wohl zu fühlen, und Sie davon überzeugt, dass sein Ansatz anders sein würde als das, was wir bereits in Filmen gesehen haben, die sich mit Nazismus und Holocaust befassen?

Er war sehr ehrlich, aber er hat es mir nicht leicht gemacht! Er war sich der Tatsache sehr bewusst, dass es während der Dreharbeiten niemals einen "entspannten Moment" geben würde. Niemals. Und auch jetzt nicht. Es ist so wichtig, etwas zu zeigen und zu erzählen und die Menschen fühlen zu lassen, denn das ist es, was dieser Film tut. Er lässt die Menschen das Grauen spüren, das geschehen ist, und er lässt sie sehen, wie einfach es ist, an den Ort zu gehen, an dem die Familie Höss war - und einfach die Augen vor allem zu verschließen, was nebenan oder an den europäischen Grenzen passiert, um es mal ganz offen zu sagen.

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Man sieht die ganze Politik in jedem Land. Auch in meinem Land. Wir tun viele Dinge aus Bequemlichkeit, und das waren Dinge, über die wir für The Zone of Interest ständig gesprochen haben. Ich hatte großen Respekt vor (Glazers) Standpunkt, vor den künstlerischen Entscheidungen, die er traf, und vor der Tatsache, dass er keine dramatische Geschichte über ein faschistisches Paar erzählen oder den Holocaust als Leinwand für eine emotionale Geschichte über eine Familie benutzen wollte. Das ist etwas, das mich, ehrlich gesagt, anwidert. Er hat einen anderen Weg gewählt. Er hat das langweiligste, einfachste, banalste Leben gezeigt, das man sich vorstellen kann - Menschen, die einfach nur ein bisschen mehr wollen, Sie wissen schon, die einen schönen Garten haben, die Kinder in Frieden, und denen es egal ist, was nebenan passiert. Genau das hat er getan, und ich fand es angemessen.

Jonathan Glazer hat gesagt, dass er diese dramatischen Erzählungen in Hollywood-Filmen über den Holocaust nicht mag. Er sagte, dass es sehr einfach ist, sich in das Opfer einzufühlen, und dass er möchte, dass man sich fragt, ob man der Täter sein kann. Was halten Sie von Hollywood-Filmen, die sich mit diesem Thema befassen?

Ich glaube, er wollte zeigen, wie schmal der Grat zwischen uns und ihnen ist. Denn, wie ich schon sagte, ignorieren wir in unserem eigenen Leben viel, um ein bequemes und friedliches Leben zu führen. Wir neigen dazu, wegzuschauen. Wenn ich mir Agnieszka Hollands Film Green Border ansehe, dann ist das wirklich etwas, worüber wir jeden Tag nachdenken sollten. Was (Glazer) wichtig war, ist nicht die Gefühle dieser Menschen zu zeigen, sondern zu zeigen, wie viel wir mit ihnen gemeinsam haben. Wenn wir uns also ansehen, was er getan hat, was wir dort getan haben, sollten wir eine Verbindung zu uns selbst herstellen. Einige Menschen, mit denen ich gesprochen habe, haben diese Verbindung bereits hergestellt. Und sie fühlten sich, ich würde nicht sagen schuldig, aber sie waren sich sehr bewusst, wie viel Arbeit sie in das Wegschauen gesteckt hatten. Und ich finde es sehr wichtig, dass er das versucht hat.

Können Sie etwas über die Dreharbeiten zu The Zone of Interest erzählen, zum Beispiel über die versteckten Kameras im Haus?

Auch wenn man sie nicht gesehen hat, haben wir nie vergessen, dass sie da waren... Denn es wäre schon komisch gewesen, sich in einem Haus mit Nazi-Memorabilien wiederzufinden. Und wenn keine Kamera dabei ist, was mache ich dann und was mache ich hier? (Lacht) Aber ja, dieses Überwachungssystem, das sie aufgebaut haben, hatte, glaube ich, eine starke psychologische Wirkung auf die Darsteller und alle anderen, die daran beteiligt waren, denn es schafft eine Art Last, eine Verantwortung. Man ist sich des Urteils, das gefällt wird, sehr bewusst, und man weiß nichts von den künstlerischen Entscheidungen, die hinter der Kamera getroffen werden. Man weiß nicht, welche Art von Rahmen sie verwenden würden. Man weiß nicht, wie nah sie dran sind. Man ist in gewisser Weise völlig allein mit dem Thema und mit seinen Gedanken dazu und mit seinem Schauspielpartner, was eine starke Verbindung schafft. Denn man muss sich auf den anderen verlassen. Man kann nicht in jedem Moment sein eigenes Ding machen. Man macht das gemeinsam. Es war auch eine Art spirituelle Erfahrung, wenn ich so sagen darf, denn es ist nicht nur eine technische Sache. Ich glaube, Jonathan hat den Raum für etwas geöffnet, das im Raum präsent war, das nicht nur technisch war. Und ich kann nicht einmal sagen, was es ist, aber ich hatte das starke Gefühl, dass wir beide in diesem Moment etwas Unaussprechliches miteinander teilen.

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Wenn man bedenkt, dass wir über Anatomie eines Sturzes und The Zone of Interest im Tandem sprechen, weil sie etwa zur gleichen Zeit erscheinen und Sie für beide Filme für Preise nominiert sind, bringt Sie das Reden über beide Figuren zum Nachdenken? Und stellen Sie irgendwelche Parallelen zwischen den beiden fest - die Tatsache, dass sie ziemlich undurchschaubare Charaktere sind, zum Beispiel?

Nein. (Lacht) Diese Arbeitsperiode war eine lange Periode. Sie begann mit The Zone of Interest. Dann ging ich zu einem deutschen Film namens Sissy und ich über, und dann war es Anatomie eines Falls. Ich musste also so etwas wie eine interne Verbindung oder eine Aufgabenverbindung zwischen den drei Filmen herstellen. Sonst wäre es nicht möglich gewesen. Denn wenn man an einem Projekt arbeitet, das sich mit dem Faschismus befasst, und danach ein period piece über Sissy macht, eine Figur, die völlig frei ist und überhaupt nicht urteilt, die alles fühlt, die alles sagt, was ihr in den Sinn kommt... Ich habe versucht, das zu nutzen, um das erste Stück loszuwerden. Und dann glücklich zu sein, zu einer vollständigen und reifen Frau überzugehen, die die Verantwortung für alles übernimmt, was sie tut und fühlt. Sandra Voyter ist eine Frau, die sich für nichts entschuldigt. Vielleicht ist das eine Verbindung, wenn ich so darüber nachdenke, denn ich glaube, sie hat nichts falsch gemacht.

Sie wurden für mehrere Preise nominiert, manchmal sogar zweimal in der gleichen Kategorie für diese beiden Rollen - etwas, das nicht sehr oft vorkommt. Viele sagen sogar voraus, dass Sie auf dem Weg zu einer Oscar-Nominierung sind...

Wo ist meine Kristallkugel? (Lacht) Was soll ich dazu sagen? Ich kenne die Geschichte der Doppelnominierungen nicht. Ich habe es nicht nachgeschlagen. Wissen Sie, diese beiden Werke sind für mich extrem wichtig - persönlich, künstlerisch, beruflich. Sie haben mich als Schauspieler an einen Punkt gebracht, von dem ich nie gedacht hätte, dass ich ihn erreichen könnte. Ich bin also sehr glücklich, dass ich diese beiden Teams getroffen habe und dass wir diese beiden Filme machen konnten, die sich so sehr voneinander unterscheiden und beide so ernst sind - das ist vielleicht auch das, was sie miteinander verbindet! Ich bin einfach sehr glücklich, dass die Leute das anerkennen und mir die Möglichkeit geben, mit diesen Filmen durch die Welt zu reisen.

Wäre diese Art der Anerkennung durch Preise wichtig für Sie?

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Dazu kann ich nichts sagen. Das liegt wirklich nicht in meinem Einflussbereich. Ich meine, es wäre sehr, sehr aufregend. Aber ich weiß nicht, wie ich gedanklich damit umgehen soll, und das ist ein System, das ich nicht verstehe. Ich kenne die Regeln nicht. Ich weiß nicht, was man tun muss, um sichtbar zu sein. Es gibt so viele Studios, die in diesen Weg involviert sind, und sie treffen die Entscheidungen darüber. Ich kann also wirklich nichts dazu sagen!

Da wir gerade über die Oscars und Hollywood sprechen: Ein wichtiges Ereignis in diesem Jahr waren die Schauspielerstreiks, die jetzt beendet sind. Sie haben sich in der Vergangenheit sehr offen über Ihre Rolle in der Branche geäußert, insbesondere in Bezug auf das Theater während des COVID. Befürchten Sie, dass es in Europa zu einer ähnlichen Situation kommen könnte, da die künstliche Intelligenz eine immer größere Rolle spielt und einige Studios die Schauspieler im Wesentlichen als Vehikel für Inhalte zu betrachten scheinen?

Das glaube ich nicht. Es ist interessant, denn ich habe über die Möglichkeit eines Streiks nachgedacht und darüber, ob er in Europa oder in einem anderen europäischen Land möglich wäre - wenn sich die Menschen auf diese Weise zusammenschließen würden, wie die amerikanische Industrie. Das Phänomen des Zusammenstehens war für mich wirklich beeindruckend, und dass sie es wirklich bis zum Ende durchgezogen haben, bis sie bekamen, was sie wollten. Ich glaube, in Europa haben wir nicht diese Art von Filmkultur der großen Produktionen, wo man einfach jemanden ersetzen kann. Ich habe das Gefühl, dass es sehr stark mit den Persönlichkeiten der Schauspieler zusammenhängt. Im Moment. Ich weiß nicht, wie sich das entwickeln wird, aber im Moment habe ich keine Angst davor.

Aber in Bezug auf die KI. Ich meine, Sie nehmen dieses Interview mit Ihrem Telefon auf dem Tisch und Ihrem älteren kleinen Gerät auf, aber wir sind alle mit diesen Geräten verbunden. Eines Tages werden wir feststellen, dass wir ohne sie nicht mehr leben können, was irgendwie schon der Fall ist. Wir sind also bereits eine Art Borgs, wenn man so will. Ich weiß nicht, wohin das führen wird, aber im Moment habe ich das Gefühl, dass die europäische Filmindustrie nicht auf künstliche Intelligenz angewiesen ist.

Ihre Filmografie ist unglaublich vielfältig. Gibt es irgendwelche Genres, die Sie noch nicht erforscht haben und die Sie unbedingt noch machen wollen?

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Das kann ich gar nicht so genau sagen. Ich bin immer neugierig auf das, was auf mich zukommt, und das bleibt auch so. Ich gebe nie eine Richtung vor. Wenn ich das täte, hätte ich das Gefühl, dass es etwas einschränkt. Wenn ich eine Rolle annehme, ist das eine Art Bauchentscheidung, die ich nicht wirklich beschreiben kann. Wenn ich etwas annehme, bin ich voll dabei, und es gibt nichts, was mich zurückhalten könnte oder was ich zurückhalten würde. Aber der Weg zu dieser Entscheidung ist manchmal ein bisschen holprig. Manchmal ist es einfach der Ort, an den ich gehen möchte. Manchmal ist es, wie ich schon sagte, eine politische Entscheidung und die Frage, an welcher Geschichte man beteiligt sein möchte. Manchmal ist es ein Regisseur, den ich wirklich kennen lernen möchte. Manchmal ist es ein Partner. Ich denke, meistens ist es etwas, das ich vorher noch nicht gesehen oder gedacht habe, oder eine Geschichte, von der ich nicht glaube, dass ich sie nach zwei Seiten schon kenne oder erahnen kann, wie sie ausgehen wird.

Wenn man bedenkt, dass diese beiden Filme das Jahr 2023 zu Ihrem Jahr gemacht haben, gibt es etwas, das Sie mitnehmen oder von diesen beiden sehr unterschiedlichen Frauen gelernt haben?

Ich habe viel von Sandra Voyter gelernt. Ich würde gerne den Mut haben, Dinge so zu machen wie sie. Ich glaube, dazu braucht es vielleicht ein bisschen mehr Übung. Und von Hedwig Höss habe ich ein bisschen was über sie gelernt. Es gab viele Gespräche zwischen Jonathan und mir über diese Person, über jemanden, der den Tod von Millionen von Menschen nebenan akzeptieren kann. Können die eigentlich ihre Kinder oder ihren Garten oder ihren Hund lieben? Und ich glaube, sie können es nicht. Wenn jemand einen Teil der Menschheit nicht lieben kann und dem anderen Teil den Tod wünscht, ist das einfach nicht vereinbar. Das ist es, was ich gelernt habe.

Anatomy of a Fall ist in den Kinos und in einigen europäischen Ländern auf DVD/BluRay erhältlich. The Zone of Interest kommt im Januar in die europäischen Kinos.