Auschwitz, 1944. Jonathan Glazer führt uns mit "The Zone of Interest" mitten in das Familienleben des Lagerleiters von Auschwitz. Ein eisiger Blick auf die Banalität des Grauens. Der Film kommt in die Kinos. Ein Schock für alle. Kritik und Interview mit dem Regisseur Jonathan Glazer.
WERBUNGEs gibt Filme, die einen unauslöschlichen Eindruck hinterlassen. Es gibt ein Vorher und ein Nachher, wenn man ein solches einzigartiges Werk sieht, das den Blick auf eine nahe oder ferne Epoche, eine politische oder religiöse Ideologie, eine Idee der Menschheit, ihre Größe oder ihren Schrecken verändert. Und "The Zone of Interest" gehört definitiv dazu.
Der Film, der in Cannes in die offizielle Auswahl kam, gewann, wenn ich das so sagen darf, nur den Großen Preis der Jury (d. h. die Silberne Palme), aber auch den FIPRESCI-Pressepreis, der für die herausragende Qualität und die innovative Vision eines Autors steht.
Jonathan Glazer ist natürlich kein Unbekannter, aber die breite Öffentlichkeit hat ihn erst durch seinen vorherigen Film entdeckt, seinen vierten Spielfilm, "Under the Skin", eine ultrabrillante Fiktion, die die Außerirdische Scarlett Johansson in menschlicher Gestalt auf die Erde schickt, um sich an menschlicher Energie und Wärme, insbesondere sexueller Art, zu laben. Zwischen einem Fantasyfilm auf LSD und einem existenziellen Roadmovie, strengen Bildern und dokumentarischer Realität ist das einer der faszinierendsten Filme, die je über das Anderssein und letztlich auch über das Mysterium der Schöpfung gedreht wurden. Glazer war auch für die Musikvideos von "Radiohead", "Jamiroquai", "Massive Attack" und "Blur" verantwortlich. Aber "The Zone of Interest" wird als der erste Film in Erinnerung bleiben, bei dem er Regie führte und den er auch allein schrieb, obwohl das Drehbuch eine Adaption des gleichnamigen Buches von Martin Amis ist, der am Tag der Weltpremiere in Cannes starb.
Palme hin oder her, "The Zone of Interest" wird als einer der wichtigsten Filme über den Holocaust in die Filmgeschichte eingehen, da er die Darstellungen und Sichtweisen umkehrt und eine schonungslose Vision der Hölle liefert, sowohl inhaltlich als auch formal.
Indem der Zuschauer als Insektenforscher - der Film besteht ausschließlich aus starren Einstellungen, eine ästhetische und erzählerische Meisterleistung - in das Familienleben von Rudolf Höss eintaucht, dem SS-Lagerkommandanten von Auschwitz im Jahr 1944, sieht er das Grauen am Werk, in der Haut der Nazis, die auf der richtigen Seite der Mauer stehen. Man wird erinnert an all die Kompromisse, die Verblendung und den Fanatismus, zu denen der Mensch fähig ist.
Sandra Hüllers Darstellung einer perfekten bürgerlichen Mutter ist in diesem Sinne erschütternd abscheulich. Die Szene, in der sie die Mäntel der jüdischen Frauen anprobiert, die auf der anderen Seite des Gartens vergast werden, ist vielleicht der Höhepunkt des Films. Glazers Kamera steht an der Stelle des Spiegels, in dem sie sich selbst betrachtet, und während sie sich als Dame von Welt im Nerz bewundert, blickt sie direkt in die Kamera und gibt dem Zuschauer einen Einblick in ihre verrottende Seele. Der Soundtrack ist der industrielle Lärm der Fabrik, in der die Juden vergast werden.
Begleitet wird der Film von der zeitgenössischen Musik von Mica Levi (die auch für den Soundtrack von "Under the Skin" verantwortlich zeichnete), die wie der Film selbst die dunklen Sehnsüchte der Menschheit durch eine Musik ziseliert und zum Klingen bringt, die mit Dissonanzen spielt, die wie Risse in der scheinbaren Harmonie wirken, die Glazer durch das bürgerliche und oberflächliche Leben der Nazi-Familie zeigt.
Der Film wurde gerade fünfmal für den Oscar nominiert, darunter zwei Nominierungen für den Besten Film und die Beste Regie sowie Sandra Hüllers Nominierung für den Oscar als Beste Darstellerin.
Wir haben den Regisseur in Cannes getroffen, kurz nachdem er den Großen Preis der Jury erhalten hatte. Ein seltenes und klares Wort.
Euronews: Es ist so ein Zufall, dass Martin Amis am Tag der ersten Vorführung in Cannes gestorben ist. Sein Tod symbolisiert ein neues Leben für sein Buch, nicht wahr?
Jonathan Glazer: Es ist wie ein zweites Leben, ja. Es ist interessant, was Sie sagen. So habe ich mich selbst gefühlt, als ich die Nachricht erhielt. Wir erfuhren, dass Martin Amis einige Wochen vor Cannes sehr krank war, und standen seitdem mit seiner Frau in Kontakt. Es gelang uns, Martin Amis eine Kopie des Films zu schicken, damit er ihn sehen konnte. Aber ja, das ist schon ein merkwürdiger Zufall.
Euronews: Das ist Ihr erster Film seit zehn Jahren (Under the Skin). Ich nehme an, dass Sie diese lange Zeit brauchten, um sich an eine solche Geschichte heranzutasten...
**Jonathan Glazer:**Das stimmt wirklich. Das war bei diesem Projekt so, ich musste mir die Zeit nehmen, die ich brauchte. Es ist unvorstellbar, dass man so ein Thema auf die leichte Schulter nimmt. Ich glaube, ich habe die ersten zwei Jahre wirklich nur mit Lesen verbracht, bevor ich überhaupt wusste, was ich machen wollte. Ich habe einfach nur gelesen und mir etwas vorgestellt. Es ist so ein großes Thema, und ich musste auch verstehen, warum oder was an dem Thema mich anzieht. Das Thema und der Kern der Geschichte kommen zu dir, du kommst nicht zu ihm. Dann versuchte ich zu verstehen, was ich fühlen konnte. Etwas zu sehen, was ich vorher nicht gesehen hatte, aus einer anderen Perspektive, aus einem anderen Blickwinkel.
Weil es so wichtig ist, dass diese Geschichte von und für jede Generation immer wieder erzählt wird. Ich hoffe, dass wir sie eines Tages nicht mehr erzählen müssen, aber leider ist dieser Tag noch nicht gekommen. Als ich Martins Buch las, stellte ich fest, dass er ein Buch aus der Sicht der Protagonisten geschrieben hatte. Das war für mich der Schlüssel zu meiner eigenen Sichtweise und Orientierung.
Euronews: "The Zone of Interest" ist ein Film, der ästhetische und narrative Parteilichkeiten wagt, in der Musik, der Fotografie wie auch in der Montage. Wollten Sie einen ausgesprochen zeitgenössischen Film machen?
Jonathan Glazer: Ja, genau. Ich wollte einen Film machen, in dem es um das Jetzt geht. Ich hatte kein Interesse daran, einen Film über dieses Thema zu machen, den man getrost verlassen kann, indem man sich sagt: "Das ist vor langer Zeit passiert. Das hat nichts mehr mit uns zu tun". Denn das ist nicht der Fall. Die Geschichte spielt in den letzten Jahren des Krieges, aber das Lager Auschwitz und das Haus und der Garten, in dem der Film spielt, waren noch sehr neu, höchstens ein paar Jahre. Das Lager war fünf Jahre alt und ich meine, dass alles neu war. Es waren neue Gebäude, die gerade erst gebaut worden waren. Ich wollte dem irgendwie entsprechen, es nachbilden und dann einen Weg finden, es mit einem Objektiv des 21. Jahrhunderts zu filmen. Diese Geschichte als etwas Aktuelles, Jüngeres darzustellen.
Euronews: Mit dieser Kulisse und dieser Modellfamilie zeigen Sie im Grunde die Banalität des Bösen, wie Hannah Arendt es konzeptualisiert hat. Und dieses Böse ist in Ihrem Film letztendlich völlig im Off?
Jonathan Glazer: Genau das ist es. Der Horror ist off-screen. Ich denke, die Menschen sind weniger betroffen oder vielleicht auch desensibilisiert für bestimmte Bilder, die wir alle gesehen haben. Ich wollte diese Bildersprache sicher nicht reproduzieren. Ich wollte sie auf keinen Fall reproduzieren. Das war nicht das Richtige für mich. Und ich glaube auch nicht, dass es in diesem Kontext das Richtige war. Aber ich wusste, dass der Ton diese Dimension mitbringen würde. Als ich anfing, unter dem Gesichtspunkt der Evokation weiterzuarbeiten, wurde mir klar, dass der Ton wesentlich ist, dass er den Film zusammenhält und uns das Grauen, das geschieht, die ganze Zeit über bewusst macht. Der Ton hat die Macht dazu.
WERBUNG_Euronews: Es gibt das zentrale Paar der Nazi-Familie,_gespielt von Sandra Hüller und Christian Friedel, zwei deutschen Schauspielern. Was waren Ihre Vorgaben, damit die beiden so abgrundtiefe Charaktere verkörpern?
Jonathan Glazer: Das war sehr interessant. Sandra ist natürlich eine fantastische Schauspielerin, sie hat die Rolle der Hedwig Höss voll ausgefüllt. Auch körperlich, bis zu dem Punkt, dass sie ihr sehr ähnlich sah. Christian Friedel ebenfalls, mit einer verinnerlichten, ruhigeren, aber trotzdem sehr sensiblen Darstellung. Es ist sehr seltsam, aber ich habe sie nach dem ausgewählt, was ich von den Figuren, die sie verkörpern, und den Menschen, die sie darstellen, verstanden habe. Dann war es meine Aufgabe, mich selbst zurückzunehmen und sie sogar vergessen zu lassen, dass wir und das ganze technische Team da waren. So wurde das Haus zu ihrem Haus, es war groß und wir konnten sie sich entwickeln lassen, ohne physisch anwesend zu sein. Wir filmten natürlich und sahen auf dem Monitor, was passierte. Aber ich wollte vor allem, dass sie in ihre Rollen und ihre Umgebung eintauchten, dass sie wie ihre Figuren lebten, in der Gegenwart, ohne sich um die ganze Filmausrüstung kümmern zu müssen, und dass sie sich vor unseren Augen in ihrem Haus bewegten. Wir haben keine zusätzlichen Lichter oder andere Tricks verwendet. Es ging uns vor allem darum, den Film so autorenfrei wie möglich zu machen.
Das Gespräch wurde von Frédéric Ponsard geführt und übersetzt.